Archives de l’auteur : Felix

FishDesign

Fish Design

FISH DESIGN est une collection variée d’objets manufacturés. FISH DESIGN produit des objets pour la maison. Depuis ses origines au milieu des années 1990, Fish Design a parlé de l’unicité comme évolution du modèle standard.. Du caractère humain du défaut, de sa beauté, de la joie, de l’aspect tactile, de la sensualité, de la sympathie, de l’élasticité, de la couleur, de la féminité, de l’innovation. Le public de FISH DESIGN est aussi composé de personnes aux revenus modestes. A partir de 1995, la firme a mené ses opérations depuis New-York et produit aujourd’hui à Milan, Italie, le pays d’origine de son essence-même . Son aspiration est de traverser le fossé séparant la culture académique du passé et ce qui sera le cadre pour une transformation profonde, authentique et une extension des domaines culturels. Certains d’entre eux continueront à s’éloigner des demandes ordinaires pour servir de plus en plus des élites restreintes. D’autres, plus vitaux, persisteront à aider les individus à satisfaire leurs besoins quotidiens. FISH DESIGN refuse de se contenter de l’uniformité, de la « légèreté » des objets appartenant au design traditionnel ainsi que de leur fatigue, leur abstraction et leur globalité. En une période historique qui devient plus complexe de jour en jour, FISH DESIGN est déterminé à offrir plus de chaleur, de bonne humeur et de sentiment aux espaces où nous vivons et ainsi contribuer à notre santé.

Nomon

Nomon

Nomon est une firme leader dans le domaine des horloges d’intérieur. Nous nous consacrons à la création d’horloges pour la maison, le bureau et les espaces publics. Nos horloges sont vendues dans plus de 60 pays à travers le monde.

Nous avons mis en pratique des processus précis de création, en vue de produire des articles visuellement époustouflants avec une durée de vie de vie hautement fonctionnelle et esthétique.

Notre but est de redonner à l’horloge son prestige et sa distinction en tant qu’élément décoratif.

Les horloges Nomon sont produites dans nos ateliers, en combinant des techniques innovantes et des procédés de fabrication artisanales à la main, pour un résultat durable.

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Ilaria Marelli

Ilaria Marelli, architecte et designer a fondé en 2004 le laboratoire de création ilaria marelli studio. Ses clients sont entre autre: Tivoli Audio, Pitti Immagine, Cappellini, Cassina, Zanotta, Fiam, Coro, Bonaldo, lit Dorelan, Horizons, Veuve Clicquot, Coin, Invicta, Lancia. Elle est membre du premier Conseil de design Italien, de plus Marelli enseigne le design industriel à la polytechnique de Milan.

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Vitra

Vitra est un fabricant de meubles qui s’est fixé pour mission de développer des solutions saines, intelligentes, inspirantes et durables en matière de mobilier pour les bureaux, l’habitat et les locaux publics.

La mise au point des produits et concepts de Vitra se fait en Suisse. Le processus minutieux de conception conjugue le savoir-faire technique de l’entreprise avec l’esprit créateur de designers internationaux de renom. Notre objectif est de créer des produits avec une fonctionnalité et un esthétisme extrêmement durables. L’architecture du Vitra Campus, le Vitra Design Museum, les ateliers de design, les publications, les collections et archives font partie intégrante du projet Vitra. Elles ouvrent de nouvelles perspectives à l’entreprise et lui apportent les bases nécessaires à toutes ses activités créatives.

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Varenna

PORTRAIT DE L’ENTERPRISE

La Poliform est aujourd’hui une des plus importantes entreprises parmi les plus connues dans le secteur de l’ameublement international. A l’initiative d’une aventure d’entreprise à grands succès, la société a fait de sa recherche continue dans la qualité, sa mission principale, en se maintenant dans l’innovation concernant ses propositions pour interpréter au mieux les styles de vie et les tendances plus contemporaines.
La collection Poliform offre un vaste choix très diversifié ; elle propose des systèmes et des compléments d’ameublement pour chaque zone de la maison: bibliothèques, compléments, armoires, lits, cuisines, fauteuils et canapés.
L’éventail de la gamme complète de la Poliform représente la conception de la “maison Poliform”, tant au niveau du style que dans les éléments qui la constituent. Un « global project » qui s’adapte à chaque situation architecturale grâce à l’excellente polyvalence des systèmes à éléments.
Poliform consacre également ses ressources créatives et productives à l’activité, parallèle et complémentaire, des grandes fournitures internationales. A savoir des réalisations de haut niveau, comme le Complex West End Quay de Londres, l’AOL Time Warner Center à New York, les chambres présidentielles de la Clinton Library de Little Rock et le Palmolive Building à Chicago.

NOTES BIOGRAPHIQUES

La Poliform a été fondée en 1970 grâce à l’évolution d’une entreprise artisanale née en 1942. Depuis le début, l’entreprise exprime une forte conception industrielle; son objectif est celui d’exploiter pleinement les potentialités d’une production en série et mécanisée, tout en restant constamment attentive aux transformations d’un marché, qui devient de plus en plus global.

Au cours des années, la gamme des propositions Poliform maintient comme élément distinctif un lien étroit avec l’actualité, faisant preuve d’une grande adaptabilité aux exigences et aux goûts d’un public hétérogène et international, et d’une capacité à anticiper et interpréter les tendances de l’habitation.

La collection Poliform comprend les systèmes et les compléments d’ameublement pour chaque zone de la maison: bibliothèque, compléments, armoires et lits. En 1996 s’ajoute à la structure de l’entreprise, la marque Varenna, dédiée exclusivement à la production de cuisine. En 2006 l’entreprise présente sa première collection de canapés et fauteuil.

RÉALITÉ FAMILIALE

L’histoire de la Poliform est l’histoire d’une entreprise qui a atteint une dimension internationale tout en sachant maintenir sa propre réalité familiale.

Fondée en 1970 grâce à l’évolution d’une entreprise artisanale de 1942, l’entreprise investit immédiatement dans les nouvelles technologies de production, faisant évoluer les propositions vers des systèmes à éléments. Poliform devient une industrie : les auteurs du changement, Alberto Spinelli, Aldo Spinelli et Giovanni Anzani, aujourd’hui encore à la direction de l’entreprise, réussissent à combiner la connaissance technique spécifique et la culture du « savoir faire », avec une vision entrepreneuriale en harmonie face aux changements sociaux et économiques de cette période.

Les trois associés recouvrent des responsabilités différentes et complémentaires à l’intérieur de l’entreprise. Avec le temps, les représentants de la troisième génération se sont progressivement insérés dans le tissu de l’entreprise, en amenant chacun leurs propres expériences spécifiques et leur aspirations. L’objectif de Poliform est de conserver cette dimension familiale dans le futur afin de la rendre l’expression de personnes auxquelles le lien avec l’entreprise ne se distingue jamais de leur propre vie, des propres passions et aspirations.

LIEN FORT AVEC LE TERRITOIRE

La Poliform est une entreprise internationale avec de fortes racines dans la région de la Brianza, qui a su conserver ses propres valeurs et ses propres traditions.
La culture du travail, considérée comme valeur sociale, a récemment permit à la région de devenir protagoniste d’une excellente croissance économique.
Dotées d’une architecture de grande rigueur, les unités de production de la Poliform sont situées dans le rayon de quelques kilomètres l’une de l’autre et s’insèrent dans le paysage de la Brianza où la nature est considérée comme une richesse et un patrimoine à respecter, témoignant ainsi du lien et de la participation de la Poliform à la vie de son territoire.

 

COMPANY PROFILE

Poliform is currently a leading player on the international furniture scene. The highly successful result of adventurous enterprise, the company has always based its vision on the search for quality by updating its lines in keeping with all that is good in contemporary lifestyle trends.
The Poliform collection is set out as a wide diversified choice and includes systems and furnishing accessories for the whole house: bookcases, complements, wardrobes, beds, kitchens, sofas and armchairs.
Poliform’s comprehensive production range carries with it the design idea of a ‘Poliform house’ with stylistically compatible component parts; a ‘global project’ for each architectural situation thanks to the exceptional versatility of its modular systems.
Poliform dedicates its creative and productive resources also to the parallel and complementary activity of large residential and commercial projects. Poliform has been heavily involved in realizations of the highest standard like London’s West End Quay, the AOL Time Warner Center in New York, the Presidential Chambers of the Clinton Library in Little Rock and the Palmolive Building in Chicago.

BIOGRAPHICAL NOTES

Poliform was established in the year 1970, from an evolution of a small artisan’s shop dating back to 1942.
Right from the start the company made no secret of its industrial ethos: its aim has been to exploit the full potential of automated production line methods, constantly monitoring change in an increasingly more global market.
Over the years, Poliform continuously adapted its range of proposals to the furniture market, demonstrating a deep ability in gathering the requirements and the tastes of a heterogeneous and international audience and to anticipate and interpret trends in living.
The Poliform brand is today synonymous with luxury life style and excellence in quality.Poliform numerous lines include systems and furnishings for the whole house: bookcases, complements, wardrobes and beds. In 1996, the company added kitchens to its collection through the acquisition of the Varenna brand, in existence since 2006. In 2006 the company launched its first collection of sofas and armchairs.

FAMILY-RUN BUSINESS

Poliform’s history is that of a company, despite having achieved an international dimension, nonetheless it has maintained its family character. Established in 1970 as the evolution of a small artisan’s shop dating back to 1942, Poliform invested in new production technologies and the products have successfully evolved into functional and modular systems. Poliform becomes an industry: the minds behind the turnaround, Alberto Spinelli, Aldo Spinelli and Giovanni Anzani, who still head the company today, successful in blending specific technical expertise and know-how with an entrepreneurial approach in absolute harmony with the social and economic changes of the era.
The three partners play different and complementary roles within the company. The representatives of the third generation have gradually become part of the company’s fabric, each one bringing specific personal experiences and aptitudes. The aim is to ensure that Poliform maintains its family-run dimension in the future, making it the expression of individuals whose ties with the company are never separate from their own lives, passions and aspirations.

STRONG TIES WITH TERRITORY

Strong roots in the territory of Brianza, a territory that was able to preserve its’value and traditions.
A working culture considered as a social value that has made the territory a protagonist of immense economical growth.
Essential architecture for buildings located within a few kilometres of of each other, the production units of Poliform are located in areas of Brianza where nature is considered a wealth and a patrimony to respect, confirming the liaison and the involvement of Poliform to the survival of its own territory.

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Toulemonde Bochart

Au départ entreprise textile familiale, Toulemonde Bochart se spécialise dès le début des années 1970 dans l’univers de la maison, en offrant à sa clientèle des collections créatives et innovantes. Début 1980, Toulemonde Bochart confie la création de lignes complètes à des designers reconnus parmi les plus talentueux, ainsi qu’à de jeunes créateurs souhaitant s’exprimer sur un produit aux possibilités multiples. Le tapis redevient ainsi un accessoire central de la décoration contemporaine.

Cela fait 40 ans que Toulemonde Bochart tisse des liens solides avec ses partenaires en Inde, au Népal ou en Chine, comme en Europe, dans un échange de compétences et de savoir-faire. Les générations se sont suivies, mais le même enthousiasme dans la quête du beau, de l’exceptionnel, dans le respect de chacun est resté présent. Toulemonde Bochart s’est toujours distingué par ses recherches de produits coup de cœur, souvent issus de détournement de techniques ou de matériaux inusités dans l’univers du tapis. C’est également dans la recherche de produits abordables pour le plus grand nombre que Toulemonde Bochart souhaite offrir au monde de la décoration le luxe de la création la plus aboutie.

Toulemonde Bochart s’est toujours préoccupé de ses circuits de production. Malgré l’éloignement des sites de production, des voyages réguliers permettent de vérifier le respect des règles internationales tant en matière sociale qu’environnementale. Première assurance, aucun de nos partenaires ne fait appel au travail des enfants, et à l’inverse grâce à des organisations comme Care and Fair, soutenues par des participations financières alimentées par un pourcentage sur les ventes, la production de tapis et de textile finance des programmes d’éducation et de santé. Avec l’Inde en fer de lance d’une politique active de la protection de l’environnement, nos usines respectent les normes de traitement des eaux rejetées par la teinture ou le lavage des laines, et nous essayons de réduire au minimum les transports en regroupant les expéditions. Nous privilégions les matières naturelles ou renouvelables.

 

Toulemonde Bochart, historically a family textile business, has been specialising in products for the home since the beginning of the 1970s – providing its clients with creative and innovative collections.Since 1980, Toulemonde Bochart has entrusted the creation of complete ranges to some of the industry’s most talented designers as well as to young designers seeking to express themselves in the form of a product with endless possibilities.The rug therefore becomes a central accessory of the contemporary decoration.

Toulemonde Bochart has always paid particular attention to its production chain. Despite the remoteness of its production sites, regular visits enable compliance with both social and environmental international standards to be verified.
First and foremost, none of our partners employ children – quite the opposite – thanks to organisations such as Care and Fair, supported by financial contributions based on a percentage of sales, rug and textile production actually funds health and education programmes.
With India at the forefront of our active environmental protection policy, our factories comply with standards for the treatment of wastewater from wool dyeing and washing operations and we are attempting to reduce transport to a minimum by combining shipments.

Simon

SIMON a été fondée en 1968 lorsque Dino Gavina mis ensemble les œuvres de quelques-unes des figures de proue de l’architecture et de l’art moderne de l’époque. Ce catalogue vise à unir les expériences culturelles de tous les produits qui ont porté témoignage et allé faire une collection de produits qui, au fil des ans, ont continué à devenir morceaux de culte pour les amateurs de design.
Aujourd’hui, ces pièces, qui sont venus à représenter une série de produits industriels qui ont également doublé d’ambassadeurs culturels, sont devenues des classiques du design, en ce que chacun et chaque pièce représente styles qui sont toujours à la fois à jour et encore source d’inspiration.
Qualité, perfection, la proportion, la poésie et l’esprit … tous ont laissé leurs traces dans les ouvrages fabriqués par cette entreprise. Bauhaus, le dadaïsme, le surréalisme, l’ultra-rationnel … tous ces éléments sont liés par ces éléments qui les portent à travers d’hier à aujourd’hui.

Dans le présent d’aujourd’hui qui signifie Conception d’Autore (groupe Estel) qui ont hérité de cette digne baguette de Simon et continuent de courir avec lui afin que cette société puisse continuer à écrire de nouveaux chapitres importants de l’histoire du design contemporain.

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Sahco Hesslein

La firme allemande Sahco Hesslein fabrique des textiles depuis 1840. On aime ses matières nobles et naturelles, ses motifs anciens revisités à partir de ses planches d’archives, et les créations avant-gardistes du styliste hollandais Ulf Moritz, qui imagine pour Sahco des tissages tout à fait novateurs, primés et présentés dans les musées de design du monde entier.

Notre objectif est de toucher les gens au niveau émotionnel, à enrichir leur vie et de leur offrir une façon plus détendue de la vie. Avec des tissus de haute qualité sophistiquées et un design qui est un peu plus rare, une touche, ce qui est un peu plus individuel ou d’un matériau qui est un peu plus innovant.

Pour le style de SAHCO typique de nos articles sont créés considérant trois aspects principaux: la fascination, innovation et qualité.

Nos trois aspects principaux:
fascination,
innovation
et de la qualité
Fascination provient d’une signature inimitable, qui exige que chaque conception, chaque type d’armure pour être quelque chose de spécial.

L’innovation, de nouvelles tendances et de rester sur la route en tout temps. Une marque doit avoir la capacité de se renouveler en permanence – sinon il va se solidifier.

La qualité signifie tradition pour nous, et une tradition que nous aimons garder, car, à cet égard, nous sommes tout à fait à l’ancienne. La qualité est intemporel que chacun de nos articles: même le plus avant-gardiste doit durer dans le temps pour devenir le classique de demain.

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Poltrona Frau

Marque internationale du design, de l’élégance et de la perfection made in Italy.

De solides racines italiennes et un langage d’envergure internationale. Leader de l’ameublement haut de gamme, Poltrona Frau est, dans le monde entier, le porte-parole des valeurs liées au design et à la production made in Italy.

Année de naissance : 1912. Plus de 90 ans d’histoire. Un parcours au long duquel Poltrona Frau a affiné un savoir-faire manuel sophistiqué. Une habileté acquise au fil des ans et que les maîtres artisans continuent à se transmettre de génération en génération. Un patrimoine de connaissances que renferme, aujourd’hui comme hier, chaque pièce d’ameublement Poltrona Frau. L’élégance intime et sans âge, la personnalité de chaque élément sont le fruit de la main de l’homme et d’un design qui exalte le savoir-faire artisanal même dans ses formes les plus modernes. Et, depuis toujours, l’habileté de la réalisation se marie avec la recherche apportée aux matériaux. Pour tirer le meilleur du cuir sellier et du cuir Pelle Frau® exclusif, en les actualisant et en en préservant la souplesse originelle et naturelle, la chaleur et le toucher. En traitant avec le même soin et la même passion les matériaux les plus innovants et les plus technologiques.

Avec plus de 50 magasins monomarque dont 7 flagship stores, de New York à Rome, de Paris à Milan, Poltrona Frau est la griffe symbole d’un luxe conçu comme l’élégance discrète et universelle, le savoir-faire artisanal et la perfection. Cette rencontre originale entre tradition et modernité confère à Poltrona Frau une présence tout à fait reconnaissable dans de multiples secteurs : résidentiel, bureau, « contract » et intérieurs de voitures, avions, yachts et hélicoptères.

Chez Poltrona Frau, les grands classiques comme Vanity Fair et Chesterfield côtoient librement des formes et des meubles contemporains, conçus en collaboration avec les plus grands noms du design italien et international comme Pierluigi Cerri, Achille Castiglioni, Michele De Lucchi, Jean-Marie Massaud et Emilio Ambasz. L’unicité formelle, la beauté des matériaux et les finitions soignées réalisées à la main sont les traits distinctifs qui rendent chaque pièce d’ameublement unique.

La recherche de formes et de solutions élégantes, confortables et personnelles se poursuit avec les meilleurs concepteurs dans les espaces de travail. Interprétée par Poltrona Frau avec un mobilier exclusif, en mesure de conjuguer fonctionnalité et atmosphère, style et ergonomie.

Les mêmes ameublements raffinés sont proposés également pour le secteur Contract haut de gamme. Poltrona Frau développe et réalise des projets dans le monde entier aux côtés d’architectes comme Jean Nouvel, Norman Foster et Richard Meier. Depuis le Palau Reina Sofia à Valence, signé par Santiago Calatrava, au Disney Concert Hall à Los Angeles de Frank O. Ghery jusqu’à l’Auditorium Parco della Musica à Rome de Renzo Piano. Du Parlement Européen de Strasbourg à la Bourse Italienne à Milan.

Les habitacles du voyage contemporain conçus par la Division Intérieurs de Poltrona Frau révèlent la même attention portée à la qualité, à une meilleure utilisation des espaces et aux détails de construction. Ferrari, Maserati, Rolls Royce. Japan Airlines, Air France, Star Alliance. Aujourd’hui, Poltrona Frau s’occupe de la conception des intérieurs d’habitacles revêtus en Pelle Frau® et cuir sellier pour l’industrie automobile et aéronautique du plus haut standing. Une référence internationale pour le confort de luxe.

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Poliform

PORTRAIT DE L’ENTERPRISE

La Poliform est aujourd’hui une des plus importantes entreprises parmi les plus connues dans le secteur de l’ameublement international. A l’initiative d’une aventure d’entreprise à grands succès, la société a fait de sa recherche continue dans la qualité, sa mission principale, en se maintenant dans l’innovation concernant ses propositions pour interpréter au mieux les styles de vie et les tendances plus contemporaines.
La collection Poliform offre un vaste choix très diversifié ; elle propose des systèmes et des compléments d’ameublement pour chaque zone de la maison: bibliothèques, compléments, armoires, lits, cuisines, fauteuils et canapés.
L’éventail de la gamme complète de la Poliform représente la conception de la “maison Poliform”, tant au niveau du style que dans les éléments qui la constituent. Un « global project » qui s’adapte à chaque situation architecturale grâce à l’excellente polyvalence des systèmes à éléments.
Poliform consacre également ses ressources créatives et productives à l’activité, parallèle et complémentaire, des grandes fournitures internationales. A savoir des réalisations de haut niveau, comme le Complex West End Quay de Londres, l’AOL Time Warner Center à New York, les chambres présidentielles de la Clinton Library de Little Rock et le Palmolive Building à Chicago.

NOTES BIOGRAPHIQUES

La Poliform a été fondée en 1970 grâce à l’évolution d’une entreprise artisanale née en 1942. Depuis le début, l’entreprise exprime une forte conception industrielle; son objectif est celui d’exploiter pleinement les potentialités d’une production en série et mécanisée, tout en restant constamment attentive aux transformations d’un marché, qui devient de plus en plus global.

Au cours des années, la gamme des propositions Poliform maintient comme élément distinctif un lien étroit avec l’actualité, faisant preuve d’une grande adaptabilité aux exigences et aux goûts d’un public hétérogène et international, et d’une capacité à anticiper et interpréter les tendances de l’habitation.

La collection Poliform comprend les systèmes et les compléments d’ameublement pour chaque zone de la maison: bibliothèque, compléments, armoires et lits. En 1996 s’ajoute à la structure de l’entreprise, la marque Varenna, dédiée exclusivement à la production de cuisine. En 2006 l’entreprise présente sa première collection de canapés et fauteuil.

RÉALITÉ FAMILIALE

L’histoire de la Poliform est l’histoire d’une entreprise qui a atteint une dimension internationale tout en sachant maintenir sa propre réalité familiale.

Fondée en 1970 grâce à l’évolution d’une entreprise artisanale de 1942, l’entreprise investit immédiatement dans les nouvelles technologies de production, faisant évoluer les propositions vers des systèmes à éléments. Poliform devient une industrie : les auteurs du changement, Alberto Spinelli, Aldo Spinelli et Giovanni Anzani, aujourd’hui encore à la direction de l’entreprise, réussissent à combiner la connaissance technique spécifique et la culture du « savoir faire », avec une vision entrepreneuriale en harmonie face aux changements sociaux et économiques de cette période.

Les trois associés recouvrent des responsabilités différentes et complémentaires à l’intérieur de l’entreprise. Avec le temps, les représentants de la troisième génération se sont progressivement insérés dans le tissu de l’entreprise, en amenant chacun leurs propres expériences spécifiques et leur aspirations. L’objectif de Poliform est de conserver cette dimension familiale dans le futur afin de la rendre l’expression de personnes auxquelles le lien avec l’entreprise ne se distingue jamais de leur propre vie, des propres passions et aspirations.

LIEN FORT AVEC LE TERRITOIRE

La Poliform est une entreprise internationale avec de fortes racines dans la région de la Brianza, qui a su conserver ses propres valeurs et ses propres traditions.
La culture du travail, considérée comme valeur sociale, a récemment permit à la région de devenir protagoniste d’une excellente croissance économique.
Dotées d’une architecture de grande rigueur, les unités de production de la Poliform sont situées dans le rayon de quelques kilomètres l’une de l’autre et s’insèrent dans le paysage de la Brianza où la nature est considérée comme une richesse et un patrimoine à respecter, témoignant ainsi du lien et de la participation de la Poliform à la vie de son territoire.

 

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Pastoe

Simplicité, intemporalité, qualité et métier, tels sont depuis plus de quatre-vingt-dix ans les mots clés de Pastoe. Depuis la création de l’entreprise en 1913, nous fabriquons des meubles contemporains d’avant-garde en mettant l’accent sur la qualité traditionnelle et artisanale. Et ce, qu’il s’agisse d’armoires, de sièges ou de tables.

Pastoe investit dans l’innovation et la création afin de vous proposer des meubles qui soient étonnamment actuels et qui le restent. L’esthétique durable ainsi qu’un haut niveau de qualité sont des principes auxquels il est consacré énormément de temps chez Pastoe : par nos ébénistes, qui y mettent le plus grand soin et leur savoir-faire, et par nos créateurs poussés par la ferveur et la passion.

C’est de là que nos réalisations puisent toute leur force. Des meubles bien pensés, dotés d’une simplicité étonnante. Confortables et agréables à regarder, jamais envahissants et même étonnamment familiers. Purs et intègres comme s’ils avaient toujours été là. Car un produit doit être davantage que son seul aspect extérieur. Il doit avoir du caractère, on doit pouvoir l’aimer, s’y attacher. Le produit doit pouvoir vieillir dignement.

Pastoe s’inscrit dans la qualité dont nous avons fait notre norme depuis des décennies à travers notre stratégie de design et la fabrication de nos meubles. La qualité, dans laquelle nous continuons d’investir chaque jour, car nous considérons l’innovation comme l’étape suivante dans le raffinement de la technique ou comme un ajout à la fonctionnalité. Il ne s’agit pas d’interventions cosmétiques mais seulement d’un accroissement de la durabilité visuelle et matérielle.

Plus que quiconque, Pastoe est conscient de la valeur que le passé représente pour le futur. Notre passé est à la fois source d’inspiration et d’obligation. Telle est la tâche que Pastoe s’est fixée. C’est pourquoi nous investissons continuellement et de façon conséquente dans l’innovation, la simplicité et la qualité. Dans des meubles de peu de mots, des meubles à vivre. Des meubles que nous espérons pouvoir encore longtemps vous présenter.

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Paola Lenti

Depuis 1994, Paola Lenti a suivi une stratégie d’entreprise cohérente et dynamique basée sur la recherche et l’expérimentation qui a conduit la Société à s’imposer comme une référence internationale dans le monde du design.

En tournant les pages d’un catalogue Paola Lenti, c’est découvrir de nouveaux paysages de design équilibré et essentiel où les opposés deviennent complémentaires: passé et présent, intérieur et extérieur, tradition et technologie. Dans cette approche, on peut trouver une coexistence sereine apparemment diverses influences: où les structures de métal et de bois sont conçus pour être durables, où les intérieurs modernes et confortables pouvant accueillir vivent côte à côte avec les dernières solutions pour l’extérieur, où élégants tapis floraux crochetés à la main sont créé avec des fils de haute technologie. Chaque conception attribue son originalité à la sélection et à la création de la matière et à la simplicité de ses formes. Les morceaux sont créés pour être intemporelle en termes de qualité, de fonctionnalité, de la couleur et de l’esthétique.

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Nemo

Depuis sa fondation en 1993, à aujourd’hui, Nemo Cassina division éclairage a été présente sur le marché européen, dans les Amériques et dans le Proche et l’Extrême-Orient à travers un réseau soigneusement sélectionné de distributeurs et de détaillants.

L’étroite collaboration avec des architectes de renommée internationale, tels que Mario Barbaglia, Carlo Colombo, Giancarlo Fassina, Carlo Forcolini, Markus Jehs e Jürgen Laub, Vico Magistretti, Stefano Marcato, Ilaria Marelli, Ikaru Mori, Karim Rashid, le Foster, basé à Londres + Partners et Hannes Wettstein pour ne citer que quelques-uns, et la recherche de la perfection en matière de technologie et de qualité fabriquons des produits Nemo faire unique en termes de design et de performance.

La collection comprend Nemo luminaires pour tout type d’environnement, à la fois résidentiel et commercial.

C’est la raison pour laquelle Nemo sélectionne soigneusement les sources d’éclairage, en accordant une attention particulière aux lampes fluorescentes et à l’expérimentation et l’application des LED de la dernière génération. Toutes ces solutions accordent les meilleures performances avec une faible consommation d’énergie.

De la première lampe Ursa, conçu par Vico Magistretti et caractérisé par son concept de simplicité, au profil de luxe de la dernière création de Foster + Partners, en passant par la collection « CLASSICI » lancé en 2008 avec la gamme «Albini», concepts Nemo sont tenus d’aller au-delà de toute tendance et de durer dans le temps.

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Mdf Italia

MDF ITALIA est l’entreprise milanaise de design, projet et production de meubles et de compléments d´ameublement qui, grâce à son identité, s’est affirmée dans beaucoup des 43 pays où elle export et elle est présente dans les villes les plus importantes du monde. Dès sa naissance, la société a engagé une stratégie d’entreprise innovante et dynamique. Efficacité, internationalisation et identité sont les traits significatifs de la culture d’entreprise de MDF Italia et constituent ensemble avec la recherche et le développement, les points de force à la base de son succès.

Philosophie et design

Le processus de soustraction du superflu et l’intense volonté de recherche de la simplicité a permis la création de produits fonctionnels et plaisants à voir : le simple est beau. L’abordage de ce travail de recherche a permis de maintenir en équilibre la tension à soustraire et l’exigence d’ajouter ce qu’il faut aux objets pour être compris. Fort est l’engagement à imaginer les espaces où nos clients habitent, et précise est la volonté de ne pas les envahir, de respecter l’existant, bien conscient que la légèreté des interventions crée qualité de vie. Subtil doit être le fil qui lie ensemble les objets, les rythmes et les pauses de neutralité.

La simplicité

Le processus de soustraction du superflu et l’intense volonté de recherche de la simplicité a permis la création de produits fonctionnels et plaisants à voir : le simple est beau. L’abordage de ce travail de recherche a permis de maintenir en équilibre la tension à soustraire et l’exigence d’ajouter ce qu’il faut aux objets pour être compris. Fort est l’engagement à imaginer les espaces où nos clients habitent, et précise est la volonté de ne pas les envahir, de respecter l’existant, bien conscient que la légèreté des interventions crée qualité de vie. Subtil doit être le fil qui lie ensemble les objets, les rythmes et les pauses de neutralité.

 

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Maxalto

Maxalto: La Collection Maxalto a été créé en 1975 et est marqué par des savoir-faire artisanal dans la transformation du bois. La collection comprend aujourd’hui une large gamme de produits avec des formes s’inspirant des typologies et des styles de conception française entre les deux guerres mondiales. [4] Maxalto est une ligne complète de mobilier intérieur conçu et coordonné par Antonio Citterio. Maxalto est souvent vendu dans les B & B Italia magasins, mais a dans la dernière décennie établi lui-même de plus en plus comme sa propre marque. Le premier stand alone Maxalto magasin a ouvert à Paris, France. En 2008, la première boutique monomarque aux États-Unis a ouvert à Chicago, IL a suivi peu après par Miami, FL .. Il ya quatre collections au sein de Maxalto: Apta, Simplice, AC et, sorti en 2010, Acro. Maxalto a reçu beaucoup d’attention de la presse en 2008 quand il a été en vedette dans le film de James Bond Quantum of Solace.

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Magis

La marque italienne Magis est un véritable  »laboratoire de design » qui, grâce à son esprit d’expérimentation poussé, propose des projets innovants au point de vue technologique et créatif. En 2000, la  »Air Chair » de Jasper Morrison utilisait pour la première fois au monde le procédé de moulage par  »air moulding ». Capteur de tendances, Magis a toujours su s’entourer des meilleurs designers (Richard Sapper, Jasper Morrison, Stefano Giovannoni …). Un grand nombre des créations Magis ont déjà atteint le statut d’icônes du design : le célèbre fauteuil à bascule Voido de Ron Arad, la chaise Chair One de Konstantin Grcic ou encore le fauteuil Steelwood des frères Bouroullec.Signées par les meilleurs designers internationaux, ces créations hétéroclites parlent des langages variés. Style ludique pour le fauteuil-toupie Spunchair ou la chaise Vanity, style atypique pour l’étonnante collection 360°. Mention spéciale pour le fauteuil Flower, ultime création de Pierre Paulin qui nous a quitté en juin 2009.

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Luceplan

En 1978, à Milan, trois jeunes architectes décident de créer une entreprise pour la production d’appareils d’éclairage qu’ils appellent Luceplan. Un nom qui témoigne, simplement et immédiatement, d’une approche de travail bien précise : une réflexion et une recherche approfondie sur les projets mis en oeuvre qui doivent être à la base de la conception de solutions d’illumination conférant à la lumière une qualité spécifique au service de l’homme et de son habitat, étudiée et calibrée avec toute l’attention possible, sous le profil technique, fonctionnel et esthétique. C’est ainsi que Riccardo Sarfatti, sur la base de l’expérience qu’il a acquise en travaillant avec son père, Gino Sarfatti, fondateur d’Arteluce et pionnier de l’éclairage design italien, entame avec sa femme, Sandra Severi, et son camarade d’études, Paolo Rizzatto, une production de haut niveau destinée à s’affirmer comme expression d’excellence et d’innovation dans le monde du design. Un rôle de tout premier plan qui se confirme déjà trois ans plus tard, en 1981, lorsque la lampe “D7”, conçue par Paolo Rizzatto et Sandro Colbertaldo, est récompensée avec le prix Compasso d’Oro ADI. Le premier d’une longue série dereconnaissances qui attestent, en Italie et à l’étranger, la qualité du travail de Luceplan.

En 1984, Alberto Meda, ingénieur spécialisé dans les matières plastiques et expérimentateur passionné, rejoint le groupe des membres fondateurs de la société, contribuant ainsi à apporter un ultérieur coup d’accélérateur à la vocation innovatrice de la marque. Avec Paolo Rizzatto, il inaugure une longue et riche collaboration conceptuelle, en signant certains des produits les plus emblématiques de la société. D’autres concepteurs de tout premier plan, tant italiens qu’étrangers, ont ensuite rejoint l’équipe Luceplan, en apportant leur contribution à la création d’une vaste gamme éclectique d’appareils d’éclairage qui se configurent dans une matrice évolutive sans équivoque. Leur conception part toujours de la prémisse que la lumière artificielle doit être une source de bien-être pour l’homme, et doit être interprétée comme telle, en évaluant l’emploi des technologies, des matériaux et des sources les mieux appropriées au cas par cas à chacun des projets. En d’autres mots, les prérogatives formelles d’une lampe Luceplan ne constituent jamais une condition, mais elles représentent la conséquence logique d’une idée qui se développe et prend forme en vertu de la capacité de résoudre simplement des problématiques parfois complexes.

En cohérence avec ce point de vue, une grande importance est accordée aux thèmes de la durabilité et des économies d’énergie. Dès sa naissance, l’entreprise a entamé une série de réflexions à cet égard, en expérimentant et en appliquant des solutions en mesure de rationaliser la production à tous les niveaux, de la conception à l’assemblage et à l’emballage, de façon à garantir un cycle de vie correct à ses appareils et à en favoriser le recyclage. Des créations conçues souvent pour une utilisation souple et transversale, modulables et customisables en fonction des besoins et de leur destination. Parmi celles-ci se distinguent les propositions de la collection ‘Elementi’, qui sont l’expression de la qualité de la marque sur le versant architectural.

Luceplan a su valoriser au fil du temps son propre statut de fabrique d’excellence du design italien : elle compte aujourd’hui 110 salariés, dispose de quatre sièges à l’étranger (Berlin, Copenhague, New York et Paris), de trois magasins monomarque (Milan, New York et Paris) et distribue ses produits à travers le monde grâce à un réseau d’environ 2000 points de vente, avec une part à l’exportation de près de 80%.

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Limited Edition

Katia De Witte crée Limited Edition en 1992 et joue un rôle actif dans la recherche, la création et le design, tout en veillant à ce que tout fonctionne comme sur des roulettes, de la commande à la livraison. Véri­table locomotive au niveau du business comme du design, elle gère avec talent une brillante carrière professionnelle tout en prenant soin de sa famille et de ses trois adorables petites filles. Philippe Hanet, son mari, est partenaire de Katia à la maison comme au travail. Il est chargé de la direction financière de LE.

Restons en famille puisque James De Witte, le frère de Katia, est l’homme qui super­vise plus particulière­ment la partie commer­ciale et internationale de l’entreprise belge de tapis contemporain la plus exclusive qui soit. Bien qu’actif à l’échelle planétaire, LE fait tout pour garder intact les avantages d’une entreprise familiale. Toute l’attention du management est concen­trée sur la bonne gouvernance du personnel, un service irréprochable, une collaboration des plus étroites avec les clients, la qualité supérieure du label belge, une produc­tion durable et le design d’avant-garde de collections qui se retrouveront aux quatre coins du monde dans les intérieurs les plus luxueux qui soient.

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Ligne Roset

Un choix dicté par la passion : 1900-1950

Comme beaucoup d’entreprises légendaires du luxe international, l’histoire de Ligne Roset s’enracine dans le patrimoine artisanal français. Exploitant forestier à Montagnieu dans le Bugey en 1860, Antoine Roset, premier de la lignée, a installé ses roues à aube sur la rivière La Brivaz pour débiter son bois. Très vite, il diversifie ses activités avec son fils Emile, en lançant une manufacture de parapluies en bois, de cannes de marche et fabrique même des barreaux de chaises… Un signe du destin !

Une ère de croissance intense : 1950-1970

Jean Roset, le petit-fils d’Antoine s’adapte et dans le contexte de la reconstruction d’après-guerre, l’entreprise, qui compte alors 50 employés, prend vite une tournure industrielle en se développant dans le mobilier pour collectivités. C’est l’âge d’or des marchés publics. La maison Roset fabrique du mobilier pour les grands organismes sociaux, les collèges et lycées, les hospices civils, les centres universitaires, les maisons de retraite. Lits, chaises, tables… la conception se fait déjà en collaboration aves des architectes et le créneau du « contract business » reste très porteur jusqu’aux années 60.

Une entreprise avant-gardiste : 1970-1990

Aux côtés de Jean Roset, ses fils Pierre et Michel, voient dans l’explosion créative des années 60-70 l’opportunité de pérenniser en réorientant l’activité sur les particuliers. Passionnés par le design, ils commencent à travailler avec des architectes d’intérieur, comme Michel Ducaroy, créateur du Togo en 1973, une année décisive puisque c’est aussi celle de la création officielle de la marque Ligne Roset. L’investissement sur la création sera la première intuition qui mènera l’entreprise au succès. La seconde ? L’ambition de faire de Ligne Roset une vraie marque, forte d’un réseau de distribution à son enseigne. Une véritable innovation dans le marché du meuble de l’époque ! Les premiers magasins à l’enseigne Ligne Roset ouvriront à partir de 1973. Le choix de l’exportation sera la troisième intuition fondatrice et pionnière avec la première implantation en Allemagne dès 1967. Aujourd’hui, l’international représente 70% de l’activité et les magasins Ligne Roset sont présents dans les plus grandes métropoles du monde.

Des tendances des quatre coins du monde : 1990 à aujourd’hui

En 150 ans, la marque Ligne Roset est devenue le symbole d’une élégance de vie, l’empreinte d’un luxe signé des plus grands talents de la décoration contemporaine à travers le monde. Le seul créateur-fabricant de mobilier français décline aujourd’hui tout un art de vivre dans une collection complète de meubles, d’objets déco, de luminaires, de tapis, de tissus… Un univers à part, où certains produits, comme le Togo, appartiennent désormais à la légende du design du XXème siècle. Où chaque produit a été pensé par son créateur pour faire du bien autant à l’oeil qu’à l’âme.

Chez Ligne Roset, l’ouverture d’esprit est une stratégie d’entreprise, la créativité une philosophie, l’anticonformisme une politique, la curiosité intellectuelle un trait de caractère. Comme leur prédécesseurs, Pierre et Michel Roset suivent leurs impulsions, sans jamais regarder le passé, en s’enthousiasmant toujours pour l’avenir…

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La Palma

Passion inoxydable

Le succès de Lapalma vient de loin. Il n’est pas le fruit du hasard mais s’est construit pas à pas, nourri par un intense travail et autant de passion. Intuition, ténacité, savoir-faire et, surtout, passion inoxydable ; inoxydable comme le métal, ce matériau que l’entreprise, depuis trente ans, travaille savamment pour l’associer au bois, au cuir, aux tissus, et donner ainsi forme à des meubles aux formes sobres et intemporelles. L’histoire commence dans les années soixante, quand les frères Marcato décident de se mettre à leur compte. L’idée évolue rapidement et c’est ainsi que naît Lapalma, société qui dès le début privilégie matériaux naturels et recyclables. Elle investit dans des équipements perfectionnés, de nouveaux matériaux entrent en scène, on dessine une vaste gamme de produits pour le secteur contract et la marque prouve ainsi sa capacité à s’insérer dans de grands projets à travers le monde entier, des hôtels aux magasins, des musées aux aéroports.

De l’alliance entre projets et esthétique naissent des produits à forte personnalité et des collaborations avec des designers qui jouissent d’une renommée internationale, sous la direction de Francesco Rota depuis 2013. Pour preuve de ce parcours important, Lapalma a été récompensée au fil des ans par de nombreux prix, du Good Design Award au Design Plus en passant par le FX International Interior Design Award. Une ligne cohérente, qui se traduit aussi dans l’architecture du siège de la société à Cadoneghe, aux portes de Padoue, caractérisé par un environnement raffiné, actuel et fonctionnel, aux lignes modernes et rigoureuses.

Aujourd’hui, l’entreprise regarde l’avenir avec la même énergie. Renforçant artisanat et sensorialité, deux fleurons du Made in Italy, la société a pu consolider le caractère purement italien de sa production. Elle introduit tissus et rembourrages, cuir, couleur, différentes déclinaisons d’un même produit. A travers une gamme de produits plus articulée, elle mise sur la transversalité, pour des produits adaptés au secteur contract mais à même de trouver leur place dans d’autres espaces, home, outdoor ou light office.

Prévoyante et fidèle à elle-même, Lapalma est prête à affronter de nouvelles opportunités et de nouveaux défis, de nouveaux marchés.

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Knoll

Fondée en 1938, Knoll est un fabricant mondial de mobilier de bureau dédié à l’excellence du design.
Nous nous engageons à offrir aux clients des produits au design élégant pour le bureau et l’utilisation résidentielle.

Reconnu comme un leader mondial de la conception, Knoll est le bénéficiaire de centaines de prix de design, avec des produits représentés dans les grands musées d’art du monde entier.
Nous sommes particulièrement fiers d’avoir plus de 30 produits inclus dans la collection de design du Museum of Modern Art de New York.

Notre collection KnollStudio des classiques modernes comprend sièges, tables et bureaux pour les bureaux de direction et les maisons distingués.
Développé en collaboration avec les plus grands architectes et designers du monde entier, KnollStudio représente pièces uniques au design raffiné qui incarnent l’élégance, de l’artisanat et emblématique détail.

La gamme de produits de bureau Knoll comprend des systèmes de bureau, des sièges de bureau, bureau en bois, pupitres métalliques et des fichiers, accessoires de bureau, tissus et cuirs.
Notre philosophie de conception est solidement ancrée dans les besoins de nos clients.
Nous combinons la recherche de travail solide avec une pensée novatrice pour créer des lieux de travail distincts et performants qui répondent aux besoins uniques et en constante évolution des entreprises.

Knoll a des bureaux partout dans le monde. En Europe, Knoll est représenté par des showrooms et des concessionnaires dans toutes les grandes villes. En Amérique du Nord, nous servons nos clients à travers un réseau de plus de 300 concessionnaires appuyés par 100 showrooms et les bureaux régionaux.
Partout en Amérique latine et en Asie, les clients Knoll sont servis par les titulaires des propriétés indépendantes. East Greenville, PA;; Grand Rapids et Muskegon, MI; Knoll a des sites à Foligno et Graffignana, Italie fabrication et Toronto, ON.

Knoll se distingue comme le premier fabricant de mobilier de bureau majeur à être certifié ISO 9000 et ISO 14001 dans le monde entier. En Europe, Knoll est inscrit dans la norme ISO 9001/2000. En Amérique du Nord, Knoll est inscrit dans la norme ISO 9001.

HISTOIRE
Knoll a été fondée en 1938 par Hans G. Knoll, un immigrant allemand aux États-Unis, et le fils de l’un des pionniers allemand des fabricants de meubles modernes. Formé en Angleterre et en Suisse, Hans Knoll était familier avec le Bauhaus et avec de nombreuses figures séminales dans la conception du XXe siècle et l’architecture, y compris Walter Gropius, Marcel Breuer et Ludwig Mies van der Rohe.

Hans Knoll est arrivé à New York en 1937 et, l’année suivante, en une seule pièce du deuxième étage sur East 72nd Street, établi le G. Knoll Furniture Company Hans, courageusement clouer un panneau qui disait: Usine No. 1.

Comme beaucoup de visionnaires, son objectif des affaires d’aujourd’hui semble simpliste: que les architectes modernes auraient besoin d’un mobilier moderne.

Au cours de la Seconde Guerre mondiale, Hans Knoll a rencontré et a embauché un jeune planificateur de l’espace et designer nommé Florence Schust. Florence Schust venu Knoll avec des références impressionnantes. Elle avait diplômes d’études supérieures de la Cranbrook Academy dans le Michigan, un diplôme en architecture à l’Architectural Association de Londres, avait étudié avec Mies van der Rohe à l’Armour Institute de Chicago, et a travaillé dans les bureaux d’architecture de Gropius et Breuer à Boston.

En 1946, Florence Schust et Hans Knoll mariés et ont formé Knoll Associates. Depuis le début de leur partenariat, Florence a joué un rôle crucial dans le développement et la direction de l’entreprise. C’était son idée d’adopter une approche Bauhaus au design de mobilier: offrir des objets qui représentent l’excellence du design, de l’innovation technologique et la production de masse. Ensemble, Hans et Florence Knoll recherchées et nourris designers talentueux, ils croyaient fermement que les concepteurs devraient être crédités par nom et redevances payés pour leur travail, une tradition qui se poursuit à Knoll aujourd’hui.

Avec les nombreux contacts européens et américains conception de Florence et Hans, les produits de la société ont pris une saveur internationale. Ils ont amené les architectes Eero Saarinen et Franco Albini, et a travaillé avec des artistes comme Harry Bertoia, Jens Risom et Isamu Noguchi pour développer une collection de meubles qui sont maintenant largement reconnues comme des classiques dans le panthéon du design moderne. Plus tard, Knoll a acquis les droits exclusifs de Barcelone, M. et Brno collections par Mies van der Rohe et la chaise Wassily de Breuer, et a commencé à fabriquer ces classiques aux spécifications exactes des modèles originaux.

En 1947, Knoll a ouvert un showroom entièrement dédié au textile, et a annoncé la création d’une division des textiles. Le New York Times a décrit comme représentant «une demi-douzaine de designers les plus talentueux de ce pays et en Europe. » La collection originale a été fortement influencé par les tissus en convenant des hommes, Florence Knoll, désespérant de l’absence de matériaux de rembourrage de bonne qualité, avait regardé vers l’industrie de la mode pour trouver des usines qui produisent des tissus innovants pour le mobilier Knoll. Également représentés dans la collection début du textile étaient en grève tissus provenant de l’artisanat du tissage, adapté pour la première fois pour la masse-production sur des métiers de la machine.

À la fin de la guerre, Hans Knoll avait commencé à penser à développer une base de fabrication de meubles en dehors de New York. A cheval sur la qualité et un excellent chef d’entreprise, il a été attiré à l’est de la Pennsylvanie, avec son importante population d’Américains allemands. Non seulement la région ne possède une tradition de l’artisanat méticuleux, mais les jeunes hommes revenant de la guerre et qui ne veulent plus être des agriculteurs visent une bonne main-d’œuvre potentielle. Premier achat de Knoll était un ancien atelier de rabotage à Pennsburg, près de Quakertown. Au début des années 1950, la société a acheté un bâtiment à proximité de Greenville-Orient. Aujourd’hui, East Greenville est le siège de Knoll et le site de la plus grande usine de fabrication de l’entreprise.

De toutes les activités de conception qui ont eu lieu lors Associates Knoll, certains effets profonds les plus vitaux et ont été réalisés par l’Unité de planification, un service interne qui a travaillé avec ses clients pour identifier leurs besoins en milieu de travail et à développer l’architecture d’intérieur et solutions ameublement . Cette approche intégrée lancée par unité de planification de Knoll est largement reconnu comme le modèle de l’approche actuelle à la décoration intérieure de l’entreprise. Les architectes et les dirigeants d’entreprises semblables ont reconnu la valeur de cette approche. Pendant ce temps, Florence Knoll a déclaré positivement que «Un bon design est bon pour les affaires», un credo qui est devenu l’hymne de la société.

Après la mort prématurée de Hans Knoll dans un accident d’automobile en 1955, Florence Knoll a assumé le rôle de président, un poste qu’elle a occupé jusqu’en 1960 quand elle est devenue un consultant. En 1965, elle se retire de l’industrie complètement, laissant Knoll dans les mains de ceux qu’elle avait formé et inspiré.

Aujourd’hui, Knoll s’est engagé à poursuivre la tradition d’excellence de design créé par Hans et Florence Knoll. Nous continuons à travailler avec des designers les plus renommés au monde à développer des conceptions classiques et modernes, qui ont l’air frais, jamais datés. Nous continuons à travailler en étroite collaboration avec nos clients pour les aider à utiliser la conception de lieux de travail pour répondre à leurs besoins de chaque entreprise. Et nous continuons à croire que “Un bon design est bon pour les affaires.”

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Kartell

LʼENTREPRISE

Créativité et technologie, glamour et fonctionnalité, qualité et innovation : une combinaison extraordinaire de facteurs qui, unie à une stratégie visionnaire de distribution, a contribué à assurer le succès de Kartell. Entreprise leader dans le secteur du design, Kartell se présente à un public international avec une collection unique en termes dʼoriginalité, de variété et de richesse de gamme. Forte de 60 ans dʼhistoire magistralement racontés par ses produits qui savent, chacun, exprimer le langage et l’atmosphère de la période à laquelle ils ont vu le jour tout en restant des objets résolument contemporains recelant un grand nombre dʼautres valeurs et dʼautres messages. Tout ceci a fait dʼeux une partie intégrante du paysage domestique.

Les produits Kartell sont non seulement polyvalents et transversaux mais aussi faciles à utiliser et incontestablement séduisants dʼun point de vue esthétique. Couleur, ironie, jeu des sens, transparences et formes uniques pour des objets sans égal : les produits Kartell se reconnaissent du premier coup dʼoeil partout dans le monde par l’émotion qu’ils offrent, par la longévité qui les caractérise et par leur incontestable qualité. Lʼévolution permanente en matière dʼutilisation des matériaux ainsi que l’expérimentation de nouvelles technologies en vue dʼen découvrir les propriétés inédites sont fondamentales pour le développement des produits Kartell non seulement en termes dʼétude des prestations fonctionnelles mais aussi de création de nouvelles qualités esthétiques. En effet, grâce à ses recherches constantes, Kartell a pu introduire le satinage, la transparence, la flexibilité, la résistance aux agents atmosphériques, la douceur et une nouvelle perception du toucher des surfaces.

Des designers de renommée internationale ont collaboré et collaborent avec Kartell notamment Philippe Starck, Ron Arad, Mario Bellini, Ronan et Erwan Bouroullec, Anna Castelli Ferrieri, Antonio Citterio, Michele De Lucchi, Patrick Jouin, Ferruccio Laviani, Piero Lissoni, Patricia Urquiola, Marcel Wanders, Tokujin Yoshioka, Vico Magistretti, Alberto Meda et Front. Une équipe créative qui a su construire avec Kartell une émotion particulière à travers le dialogue et lʼéchange permanent dʼidées sur les projets et qui a réussi à établir un équilibre parfait entre lʼexpérience conceptuelle des designers dʼune part et les potentialités et les exigences de lʼentreprise dʼautre part.

Lʼactivité de lʼentreprise se concentre sur deux domaines : LABWARE, des matériaux de laboratoire, et HABITAT consacré aux meubles, aux compléments d’ameublement et aux luminaires (réintroduits avec succès dans le catalogue en l’an 2000). Kartell exporte aujourd’hui 75% de son chiffre dʼaffaires dans 100 pays. En 60 ans dʼactivité, Kartell a conquis une série de prix internationaux particulièrement prisés et prestigieux notamment neuf Compas dʼOr et en 2000 une récompense décernée par le Guggenheim Museum au Musée Kartell comme « Meilleur Musée dʼEntreprise ».

LʼHISTOIRE

Fondée à Milan en 1949 par le jeune ingénieur chimiste Giulio Castelli dans le but de « produire des objets aux caractéristiques innovantes et conçus en appliquant de nouvelles techniques de production permettant dʼéconomiser les matériaux et dʼoptimiser les processus » , Kartell a commencé son activité en fabriquant des accessoires pour automobiles, des appareils électroménagers, des luminaires et des articles de laboratoire puis, avec lʼouverture en 1963 du Secteur Habitat, des meubles et des compléments dʼameublement. Dès lʼorigine Kartell sʼest distingué par une approche résolument innovante de la conception de ses produits basée sur la recherche technologique et sur le design, des éléments essentiels pour affronter « le projet des matières plastiques » qui, à la différence des matières naturelles, se présentent sans identité apparente avant leur transformation.

En 1998, à presque soixante-dix ans, Giulio Castelli a laissé les rênes à Claudio Luti, racheteur de la marque. Réinterprétant le catalogue dans le respect de lʼADN de Kartell, Luti a concentré sa stratégie sur le produit et mené une recherche conceptuelle basée sur la qualité en privilégiant la perception tactile et sonore des surfaces et en faisant appel aux plus grands noms du design mondial, en premier lieu à Philippe Starck : une association fructueuse qui a donné naissance à des formes et à des produits innovants grâce au pragmatisme et à lʼintuition commerciale de Luti et au génie créatif du célèbre designer français.

Cette nouvelle approche des matières marque un changement de cap et un véritable tournant pour Kartell : leur élaboration, leur manipulation et leur enrichissement en vue dʼobtenir un produit final qui, bien quʼentièrement en plastique, se distingue par ses connotations et ses modalités ainsi par ses langages formels, parfois hétérogènes.
Le tournant a lieu en 1999 quand, après des années de recherches et grâce à une innovation révolutionnaire, Kartell devient la première société au monde à utiliser le polycarbonate pour produire des objets dʼameublement. Le fruit de ce travail est La Marie, une chaise complètement transparente au design moderne et minimaliste. A partir de ce moment, Kartell développe et approfondit le thème de la transparence qui a fait son originalité et sa spécificité tout en poursuivant son étude des surfaces basée sur l’utilisation de technologies nouvelles et de matériaux performants.

KARTELL – UNE COLLECTION 100% MADE IN ITALY

Kartell a décidé dès l’origine de produire industriellement des objets design en plastique 100% « MADE IN ITALY », de très haute qualité et caractérisés par un grand savoir-faire technologique. Avec son choix de technologies d’avant-garde, son utilisation de matériaux thermoplastiques innovants et certifiés – souvent étudiés en collaboration avec les meilleurs producteurs du monde – avec ses sites de production disséminés entre Piémont, Lombardie, Vénétie et Emilie-Romagne, le coeur de la culture manufacturière italienne, sans oublier ses processus de production automatisés visant entre autres à renforcer les normes de sécurité et enfin la participation de ses travailleurs à la « fabrication » même du produit, Kartell peut garantir à ses utilisateurs une collection qui a la technologie, la qualité, la résistance et la longévité inscrites dans son ADN.

La production des objets Kartell est suivie durant toutes ses phases par des techniciens de lʼentreprise qui en vérifient et en contrôlent la conformité technologique, la qualité et la bonne fabrication en essayant de concilier les exigences et les attentes des consommateurs finaux avec les processus industriels utilisés. Le haut degré de stabilité et de répétitivité de ces processus permet de minimiser les dysfonctionnements et les gaspillages et de favoriser une production générant peu de déchets polluants et, quoi qu’il en soit, des produits entièrement recyclables. Les produits Kartell ne sont pas seulement séduisants d’un point de vue esthétique. Leur indéniable praticité et multifonctionnalité sont constamment vérifiées et contrôlées par des essais de fiabilité sévères et rigoureux effectués selon des normes UNI EN spécifiques.

L’UNIVERS RETAIL

Les points de vente Kartell sont des lieux idéaux qui parviennent à la fois à exprimer la philosophie de l’entreprise et à offrir aux consommateurs du monde entier leur interprétation personnelle et unique des exigences d’ameublement. Les points de vente monomarques de Kartell sont des espaces d’exposition qui visent non seulement à faire connaître à la clientèle la gamme très éclectique de produits Kartell mais également à exprimer l’identité et les valeurs de la marque : design, innovation, production industrielle, multiformisme, glamour et vivacité.
Lancée en 1997 avec l’ouverture du premier flagship store à Milan – la ville natale de la marque – la stratégie retail de Kartell s’est révélée dès le début gagnante en termes de communication. Situés dans les artères commerciales des plus grandes villes du monde, les magasins Kartell sont des espaces neutres conçus spécialement pour exposer, mettre en valeur et rendre désirables les produits de la marque qui, disposés sur de grands socles lumineux ou des présentoirs transparents, deviennent avec leurs couleurs, leurs transparences et leurs designs inimitables les véritables vedettes du magasin.

Avec les ouvertures les plus récentes, Kartell a atteint un total de 120 flagships et de 180 shops-in-shops. Sʼajoutent à ces derniers environ 3 000 points de vente multimarques dans 100 pays.

LA COMMUNICATION

Après avoir révolutionné le monde du design en repensant de nombreux objets quotidiens à travers l’utilisation du plastique, la marque Kartell est aujourd’hui reconnue comme une véritable « griffe de design » : un succès qui se traduit par l’intérêt qu’on lui porte partout dans le monde en organisant des événements aussi bien sur son passé que sur son présent. Ce phénomène est le résultat dʼun travail de communication intense et éclectique, parallèlement au développement international du réseau de distribution. Kartell est au coeur d’expositions, de présentations et d’événements dans les plus grandes villes du monde.

Pour raconter son histoire, Kartell a créé son propre musée d’entreprise au sein de son siège à Noviglio. Fondé en 1999, le Musée Kartell présente plus de mille objets, catalogues, posters dans le cadre dʼun parcours dʼexposition particulièrement original. Pour raconter son présent, Kartell dédie une attention toute particulière à la communication à travers des livres, des événements, des présentations et des activités de co-marketing. Parmi les nombreuses publications parues, le livre kARTell est un extraordinaire recueil de plus de 150 produits Kartell interprétés par des photographes prestigieux, des artistes contemporains et des écrivains – notamment Helmut Newton, David LaChapelle, Peter Lindbergh, Fabrizio Ferri, Bruce Weber, Maurizio Cattelan, Vanessa Beecroft – rassemblés dans une édition spéciale réalisée avec le concours de Franca Sozzani, directrice de Vogue Italie. Kartell communique surtout à travers ses produits et ses magasins monomarques présents dans
les plus grandes villes du monde.

Toujours plus spectaculaires, les nouveaux stands d’exposition de grandes dimensions et de fort impact visuel signés Ferruccio Laviani racontent chaque fois le projet, la recherche, l’innovation, les nouvelles tendances et les résultats obtenus.

Doublement liée au monde de la mode, Kartell a donné en 2007 son feu vert au projet « Mademoiselle à la mode » : le fauteuil conçu par Philippe Starck a progressivement été « habillé » par les plus grands noms de la mode italienne et internationale notamment Valentino, Dolce & Gabbana, Missoni, Moschino, Burberry, Etro, Gaultier, et Lacroix. Un autre grand pas dans le monde de la mode a aussi été fait en 2009 avec le lancement de la collection de ballerines « Glue Cinderella ». Le succès de la première série a poussé lʼentreprise à élargir sa gamme de chaussures – toutes en plastique, cela va sans dire – et à commencer une collaboration avec Moschino, avec qui elle a créé la ligne de ballerines Bow-Wow.

MUSÉE KARTELL

Le musée Kartell voit le jour en 1999 en vue de célébrer les 50 ans dʼactivité de Kartell et de raconter le mariage extraordinaire du plastique et du design. Accueillant 1000 objets, le musée conçu par Anna Castelli Ferrieri et Ignazio Gardella s’étend sur environ 2 500 m² dans lʼenceinte du siège de Noviglio (MI). Un parcours dʼexposition particulièrement original, pensé par Ferruccio Laviani, offre aux visiteurs la possibilité dʼune lecture immédiate. La collection est en effet disposée selon un ordre chronologique sur trois étages et au sein dʼun tableau synoptique structuré selon les clés de lecture suivantes : événements, design, technologie et communication. Les légendes racontent lʼhistoire de lʼentreprise et présentent les étapes les plus importantes de son parcours.

Les premières salles, consacrées aux années 50, mettent en exergue lʼapproche résolument innovante de Giulio Castelli en matière de recherche technologique et dʼesthétique revisitée du design. Confortée par une riche série de prix, notamment cinq Compas dʼOr, lʼentreprise sʼattelle dans les années 60 à la production dʼobjets plus complexes et plus évolués en développant des produits dʼameublement design en plastique. Le parcours continue avec les années 70, caractérisées par une attention renouvelée à l’espace de travail et aux espaces collectifs ainsi qu’au développement de la recherche en matière de systèmes. Dans les années 80, sous la direction artistique dʼAnna Castelli Ferrieri, Kartell cherche à concilier la logique industrielle et lʼapproche high tech tandis que pendant la décennie suivante la société enrichit sa collection grâce à la participation de plusieurs designers étrangers avec lesquels elle commence à collaborer : cʼest ainsi que voient le jour des objets qui savent répondre aux nouvelles exigences tout en séduisant par la beauté de leur design. Lʼexposition se termine par les produits culte des 10 dernières années, des objets qui consacrent définitivement la marque comme leader du design international avec, comme fil conducteur, une innovation technologique et fonctionnelle constante durant ses 60 ans d’histoire.
En 2000, le Musée se voit décerner par le Guggenheim le prestigieux prix de « Meilleur Musée dʼEntreprise ». Ses collections ont été demandées et exposées par le Centre Pompidou, la Kunsthalle de Bonn, la Triennale de Milan et le MoMA de New York.

CLAUDIO LUTI – PRÉSIDENT

Claudit Luti est né à Milan en 1946 où il a obtenu un diplôme en Économie et Commerce à lʼUniversité Catholique.

Après une brève expérience dans un célèbre cabinet dʼexperts-comptables, il se met à son compte en 1975 et commence à collaborer avec des entreprises du secteur de mode ainsi que plusieurs stylistes qui deviendront par la suite des icônes du Made in Italy dans le monde. Nous sommes dans les années 75/76, un grand moment dʼeffervescence générale durant lequel les stylistes milanais, bien que ne disposant que de structures et de capacités de gestion modestes, pressentent déjà les potentialités de développement du prêt-à-porter et ses opportunités en termes commerciaux.

En 1977, Claudio Luti commence à collaborer avec Gianni Versace puis, après une courte période durant laquelle il exerce simultanément les fonctions de conseiller commercial et de manager, il devient la même année directeur général de la société. Pendant 10 ans, il dirige brillamment Gianni Versace S.p.A. et travaille en contact étroit avec le célèbre styliste, assimilant son incontestable talent et son proverbial dynamisme.

En 1988, il quitte Versace et rachète Kartell, société dont il est président. Entré dans lʼentreprise à un moment de « fatigue» temporaire – et sans doute tout simplement naturelle – il impose en quelques années des innovations techniques et stylistiques et renouvelle le catalogue. Tout en respectant « lʼâme » de Kartell, son savoir-faire, sa stratégie industrielle gagnante, il comprend la nécessité de mener une recherche différente sur les produits et sur les matériaux et participe à affranchir le plastique de sa connotation négative typique des années 80, celle dʼune matière « pauvre ». Il fait appel à la collaboration des grands noms du design international, dʼabord Philippe Starck, puis Vico Magistretti, Ferruccio Laviani, Antonio Citterio et Ron Arad. Au fil des années, il met en place un impressionnant réseau de distribution monomarque qui conquiert en peu de temps le monde entier.

En décembre 2008, Luti reçoit du Museum of Art and Design de New York le prestigieux prix à la carrière « Visionaries ». En juin 2009, Claudio Luti et Kartell se voient décerner le prix Japan Awards « Créateurs de Valeur ».

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Interlübke

Dans les anées 1960 Interlübke  est devenue un ‘leader’ internationale dans le mobilier contemporain

Le fabricant des » Chambres à Coucher poli « à evoluée vers un fourniseur à systeme à composer mondiale sur le plan des gardes-robes.

Dans ces anées Interlübke est devenue leader des trends mobiliers

Le nom Interlübke est combination du nom de familie des fondateurs  « Lübke » en 1937 et « Interieur » et « Internationale » en 1961.

300 collaborateurs travaillent à Rheda- Wiedenbrück pour produire la collection Interlübke

Interlübke est connu pour la qualité des laques supérieure et les programmes des chambres à coucher et living.

Cube Gape est un classique avec Cube Fine, Cube Play et Cube Change

Les armoires 40 S et S07 sont des programmes pour le living et chambres à coucher

Nous avons un programme Sipario pour séparations des grandes pieces.

Les lits Malo, Nocto-plus, L bett, et Jalis sont des modèles pour la chambre à coucher.

Les bibliothéques Studimo 1976 sont toujour dans le programme aujourdhui.

Il y à 50 ans Interlübke à concu un nouveau style de design interieur .Nous avons toujours creé en permanance dans le même ésprit .

Nos clients reçoivent des meubles uniques à leurs gouts et désirs.

Comment sont les pieces dans leurs maisons ? Combien de confort et  induvalité  veulent le propriaitere?

Nous vous offronts des solutations avec beaucoup de jolies détails et moblier qui vous satisferont por une belle vie.

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Ingo Maurer

Ingo Maurer est né en 1932 sur l’île de Reichenau au bord du lac de Constance.
Formation en tant que typographe en Allemagne et en Suisse.
De 1954 à 1958 études de graphisme à Munich.

1960, départ pour les Etats-Unis, où il travaille en tant que designer freelance à New York et à San Francisco. En 1963: retour en Europe.

1966: fondation de « Design M » à Munich. Première lampe: Bulb. Plusieurs prix de design. Intégration de plusieurs lampes dans les collections de divers musées. Dans la collection design du Museum of Modern Art à New York se trouvent: Bulb et Gulp (1969), Light Structure (1970 comme co-designer), Little Black Nothing et YaYaHo (1988), Los Minimalos Dos, Lucellino Wall, Wo bist Du, Edison…? et Zettel’z (1999), Porca Miseria! (2003).

Juin 1985: installation de YaYaHo au Centre Georges Pompidou à Paris pour l’exposition « Lumières Je pense à vous ».

Mai 1986: exposition « Ingo Maurer Lumière aha SoSo » à l’Institut Français d’Architecture à Paris.

Octobre 1986: jeux de lumière spéciaux pour l’exposition « Design à la Villa Medici » à Rome; décoré par le ministre français de la Culture comme « Chevalier des arts et des lettres ».

Mai 1988: installation d’un système d’éclairage pour l’exposition « Design heute. Maßstäbe: Formgebung zwischen Industrie und Kunst-Stück » au Deutsches Architekturmuseum à Francfort.

Avril/mai 1989: pour la première fois et sans prétention commerciale Ingo Maurer présente des recherches sur la lumière à la Fondation Cartier pour l’art contemporain à Jouy-en-Josas (Paris), intitulées « Ingo Maurer: Lumière Hasard Réflexion ».

Juillet/août 1989: exposition au Musée d’Ethnographie des Peuples de l’Union Soviétique à Leningrad s’intitulant: « Design … ?? — !! Eclairage d’Ingo Maurer et de son team/commando ».

Février 1991: participation à l’exposition « Münchner Räume » au Stadtmuseum, Munich.

Janvier 1992: exposition au Musée Villa Stuck, Munich « Ingo Maurer: Arbeiten mit Licht ».

Mars 1993: exposition « Licht licht » au Stedelijk Museum à Amsterdam.

Novembre 1994: participation à l’exposition « Identità e differenze. I racconti dell’abitare » à la Triennale de Milan avec installation et pièces uniques.

Mars 1995: participation à l’exposition « die kunst und das schöne ding » au Neues Museum Weserburg, Bremen.

Janvier 1998: selectionné « Designer des Jahres 1997″ par le journal « Architektur & Wohnen ».

Novembre 1998: exposition au Museum of Modern Art à New York « Projects 66″ avec Fernando et Humberto Campana.

Mars 1999: coopération avec Issey Miyake, designer de mode japonais. Installation et effets spéciaux pour le défilé de mode de Issey Miyake à La Villette.

Septembre 1999: Prix du Design 1999 par la ville de Munich.

Octobre 2000: attribution du prix « Lucky Strike Designer Award 2000″ par Raymond Loewy Foundation.

 

Avril 2001: Prix « Primavera del Disseny 2000″ décerné par la ville de Barcelone. Exposition: Ingo Maurer: Passiò per la Llum » avec retrospective au Musée Santa MòniCA à Barcelone.

Juillet 2001: participation à l’exposition « Wohnkultur » Stadtmuseum, Munich.

Mars 2002: exposition au Museum für Angewandte Kunst, Francfort: „ephemer visionär Ingo Maurer.Licht“.

Exposition „Ingo Maurer – Light – Reaching for the Moon”
Octobre 2002/août 2003: Vitra Design Museum, Weil, Allemagne
Avril/mai 2004: Dansk Design Center, Copenhague
Juillet/août 2004: Beurs van Berlage, Amsterdam
Septembre 2004/janvier 2005: La Grand Hornu, Hornu, Belgique
Décembre 2005/janvier 2006 : IVAM, Valencia, Espagne
Avril 2006/juin 2006: Tsukuba Museum of Art, Ibaraki, Japon
Juillet 2006/ septembre 2006: Tokyo Opera City Art Gallery, Tokyo, Japon

Novembre 2002: prix “Collab’s Design Excellence Award” décerné par le Philadelphia Museum of Art.

Janvier 2003: attribution du prix Georg Jensen Prize 2002, Copenhague.

Septembre 2003: attribution du prix « The Fourth Oribe Award » par la Design Academy Division de la préfecture de Gifu, Japon.

Février/avril 2004: participation à l’exposition « Brilliant » au Victoria & Albert Museum, Londres.

Février/mai 2004: participation à l’exposition « Iluminar Design Da Luz 1920-2004″ au Museu de Arte Brasileira, Fundacao Armando Alvares Penteado, São Paulo.

Novembre 2005: nomination au titre honorifique de ‘Royal Designer of Industry’ par la ‘Royal Society of Arts’, Londres.

Avril 2006: participation à l’exposition « Le mouvement des images » au Centre Georges Pompidou à Paris

Juin 2006: attribution du titre de Docteur Honoris Causa par le Royal College of Art, Londres

Septembre 2006 : attribution du Prix « Abitare II Tempo », à Vérone en Italie

Septembre 2007 : exposition « Provoking Magic : Lighting of Ingo Maurer » au Cooper-Hewitt, National Design Museum, New York

Mai 2008 : exposition « Ingo, Piero, e l’Uovo » au Fondazione Carispe, La Spezia, Italie

Février 2010: attribution du prix Design de la République Fédérale d’Allemagne

Juin/Août 2010: exposition « Complete with Bulb – Light by Ingo Maurer » au Bauhaus Archiv, Berlin.

Avril 2011/Fevrier 2012: exposition Ingo Maurer au showroom BMW Welt, Munich.

Avril 2011: installation « ablaze « pour Exposition Architettura Mutante organisé par Interni, Milan

Juillet 2011: attribution du prix « Compassso d‘Oro » de ADI (Association italienne du Design Industrielle) à Rome.

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Hugues Chevalier

HUGUES CHEVALIER confie la fabrication de ses créations au savoir faire de compagnons ébénistes, tapissiers et vernisseurs rassemblés dans ses propres ateliers à Usson du Poitou (Vienne) ou dans le Nord de l’Italie (Brianza). Toute commande est ici produite à l’unité, artisanalement, avec un soin méticuleux de la qualité et dans le respect de la tradition du mobilier de haute facture. Fruit de l’expérience et de la passion, chaque meuble HUGUES CHEVALIER est une pièce unique, reflet d’une culture et d’un savoir vivre d’exception.

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Gallotti & Radice

Gallotti & Radice a été la première entreprise en Italie à expérimenter et promouvoir, dès les années cinquante, l’amour pour l’étude et l’utilisation d’un matériau extraordinaire dans le secteur de l’ameublement: cristal. Utilisé dans toute sa pureté et son élégance, mais surtout combiné d’une manière unique et magistrale avec d’autres matériaux tels que le bois et le métal, cristal s’impose comme un acteur fort et discret dans la collection G & R. Le design avant-gardiste, les formes élégantes et, surtout, l’attention particulière accordée à la qualité et la sécurité des produits a permis à l’entreprise de promouvoir son nom et son image sur les marchés nationaux et internationaux, avec une distribution sélectionné et qualifié, ciblé pour un exigeante et prestigieuse public. La collaboration avec des designers célèbres tels que Luigi Massoni, Andreas Weber, Davide Pizzigoni, Maurizio Duranti, Nanda Vigo, Carla Venosta, Gabriele Moscatelli et Italo Pertichini, qui au fil des ans ont conçu de nouveaux produits pour la société, est d’une importance fondamentale. La gamme de produits riche et articulé comprend un mobilier compléments, cloisons modulaires, des programmes de bureau et accessoires fonctionnels et décoratifs accessoires de maison.

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Fritz Hansen

Fritz Hansen AUJOURD’HUI
Fritz Hansen fabrique des meubles de conception et existe depuis 1872. Nous ajoutons de nouveaux articles à notre collection régulièrement et revitaliser les pièces existantes. Nous travaillons en étroite collaboration avec les plus grands designers de meubles danois et internationaux. Notre objectif principal est toujours beau design et originale dans une qualité suprême. Aujourd’hui, nous sommes 215 personnes avec un chiffre d’affaires annuel d’env. DKKm 400. Environ 70% de notre volume est exportée. Fritz Hansen est détenue par Skandinavisk Holding.

Fritz Hansen HIER
Fritz Hansen a démarré l’entreprise Octobre 24 1872 à Copenhague, au départ de la petite entreprise spécialisée dans la fabrication de petites pièces de mobilier. En 1915, le premier président danois en bois cintré vapeur a été lancé à la nouvelle usine de Fritz Hansen en Allerød au nord de Copenhague. Ce fut un succès immédiat, et dans les prochaines décennies, de nombreux meubles fonctionnels en bois cintré vapeur a quitté l’usine. Au milieu des années 20 Fritz Hansen a commencé un travail d’équipe sérieux et productif avec les plus grands designers de mobilier. Ce genre d’équipe a caractérisé Fritz Hansen depuis. Depuis le début des années 1930, Fritz Hansen a adhéré à la philosophie: pour fabriquer de beaux meubles de qualité supérieure dans un processus de production industrielle. La coopération avec l’architecte Arne Jacobsen a débuté en 1934. Cependant, c’était la chaise en bois laminé, la fourmi de 1952, qui est devenu le plus gros succès de l’histoire du meuble danois. La coopération avec Jacobsen a généré un certain nombre de chaises stratifiés, mais aussi d’autres meubles monde acclamé comme l’oeuf et le Cygne à partir de 1958.
Fritz Hansen a continué à travailler avec des designers qui a donné lieu à de nombreuses pièces epoch-making de meubles dans les années 1960 et 70, par exemple, Tableaux super-elliptiques de Piet Hein partir de 1968. En 1982, Fritz Hansen a acquis les droits sur une grande partie du monde célèbre collection de meubles de Poul Kjærholm. Durant les années 1980, les années 90 et dans le nouveau millénaire Fritz Hansen a continuellement ajouté de nouveaux meubles pour la collecte, egand plus récemment les tableaux Plano by Design Pelikan et la série de glace par Kasper Salto. Conception de haute qualité et la beauté de la conception a été le principal moteur de Fritz Hansen depuis plus d’un centenaire et continueront de l’être à l’avenir. Nous respectons fortement nos traditions et de l’histoire, et nous apprécions que le changement et une volonté de changement est une question importante dans les affaires d’aujourd’hui.

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Foscarini

Le produit avant tout
Foscarini focalise depuis toujours son attention sur le produit et une culture de projet guide ses choix. La collaboration avec des designers internationaux, qu’il s’agisse de noms célèbres ou de jeunes talents, la capacité de sélectionner et de valoriser les éléments forts de chaque proposition, de les interpréter et de les développer dans une cohérence de projet, ont permis à Foscarini de s’affirmer au sein de la famille design comme un acteur dynamique, constructif et créatif. Ces qualités lui ont valu de nombreuses récompenses, parmi lesquelles le Compas d’Or avec Mite et Tite, dessinées par Marc Sadler ; une collection qui a repoussé les frontières de la recherche et de l’expérimentation dans le travail des matières et les technologies de production.

Emotion et expression
Les émotions sont la matière première avec laquelle travaille Foscarini: elles accompagnent la naissance et le développement de chaque projet et elles sont au cœur des pièces de la collection. Des émotions, de l’innovation et un langage contemporain caractérisent aussi les évènements Foscarini, la participation aux principaux salons du secteur et, de manière plus générale, toutes les initiatives par l’intermédiaire desquelles l’entreprise fait parler d’elle: des publications aux contenus multimédias, des projets éditoriaux au choix d’associer Foscarini aux manifestations les plus prestigieuses du monde de la culture. Le partenariat avec la Biennale de Venise, par exemple, a été renouvelé en 2009. Cette collaboration permet à Foscarini de mettre en valeur une nouvelle fois ses compétences et sa créativité.

Les projets
Le dialogue avec le monde du projet reste au centre de la communication d’entreprise. Foscarini travaille depuis toujours sur le thème de la personnalisation de l’espace, pour souligner les possibilités multiples de ses collections, ainsi que sur leur utilisation en composition. Des lampes à la personnalité originale réussissent à transformer l’espace en une scénographie d’émotions. Grâce aux scénographies présentées lors de salons, Foscarini offre à chaque fois une clé de lecture différente de la collection. Ces scénographies lumineuses ont un impact émotionnel incroyable grâce à l’éclectisme des collections. La manifestation itinérante « Fiber Evolution » en est un exemple ; réalisée en collaboration avec Marc Sadler, elle a été organisée au cours de 2008 dans six importantes capitales du design en Europe et aux Etats-Unis. La série d’évènements liée à Tropico, développé en collaboration avec Giulio Iacchetti, a eu lieu en 2009. En 2010, l’installation-évènement « Foscarini Evolution » est présentée à Francfort et met en valeur les innovations techniques (matières,…) dont Foscarini a la maîtrise.

Diesel with Foscarini
L’année 2009 a aussi été marquée par l’accord de licensing avec Diesel pour le développement et la distribution de la collection Lighting de la célèbre marque. La licence, qui a une durée quinquennale, a jeté les bases d’une différentiation qui permet à Foscarini de dialoguer avec un public jeune à travers une ligne de produits conçus par Diesel.

Les résultats économiques
Grâce à cet esprit entrepreneurial, l’entreprise dirigée par Alessandro Vecchiato et Carlo Urbinati a confirmé, en 2009 également, des résultats positifs et une forte cohérence dans la réalisation de ses programmes de travail. Le chiffre d’affaires consolidé – plus de 30 millions d’euros – est réalisé dans 2.500 points de vente constitués de magasins spécialisés en éclairage et en ameublement, dans presque 50 pays du monde, et une part d’export de 73%.

Voici donc les ingrédients du succès de Foscarini qui s’est imposée sur la scène du design au cours des 27 dernières années et a confirmé sa place de leader en terme de culture et d’innovation.

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Fontana Arte

Fondée en 1932, FontanaArte est une société de design italien qui a marqué l ‘«histoire de la lumière et le mobilier » en Italie et dans le monde. Né de l’idée d’un architecte, l’entreprise a toujours maintenu des liens étroits avec le monde du design, impliquant progressivement architectes italiens et internationaux de premier plan et des concepteurs d’éclairage. Avec eux, la société a créé un véritable projet culturel de l’architecture, l’éclairage et le mobilier. Cette culture du design, impliquant principalement des matières fines (surtout verre), a vu interaction entre la technologie et l’esthétique que son objectif principal, générant une série d’objets intemporels, avec de magnifiques formes, dont certaines sont devenues des classiques du design, exposés dans les grands musées dans le monde entier. Depuis Décembre 2010, le FontanaArte a pu compter sur la solide base industrielle et la nouvelle initiative internationale de Nice SpA, un groupe qui conçoit, produit et commercialise des systèmes d’automatisation pour portails, portes de garage, barrières routières, systèmes de stationnement, des écrans solaires et sans fil les systèmes d’alarme: un partenariat idéal entre deux excellents exemples de « Made in Italy » conception et de production, qui ont toujours mis l’accent sur ​​le design et l’innovation pour la maison.

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Flos

Fondée en 1962 à Merano, FLOS est une entreprise internationale qui offre une gamme de produits et systèmes d’éclairage destinés au secteur résidentiel et architectural. Célèbre pour ses solutions lumineuses créatives et innovantes, la société dispose d’un catalogue riche en produits emblématiques qui ont été conçus par des légendes dans l’histoire du design, telles qu’Achille Castiglioni, Philippe Starck, Antonio Citterio, Marcel Wanders, Konstantin Grcic, Jasper Morrison, Patricia Urquiola, Ron Gilad, Ronan e Erwan Bouroullec et beaucoup d’autres.

FLOS fait preuve d’un engagement permanent dans la recherche et l’innovation technologique, et témoigne d’une extraordinaire capacité à trouver de nouveaux talents créatifs. Avec le récent lancement de la collection Soft Architecture, un projet avant-gardiste qui a reçu les plus prestigieuses récompenses internationales, l’entreprise a une nouvelle fois démontré la faculté d’une marque historique à regarder vers le futur sans perdre de vue son patrimoine.

 

Les valeurs
Un catalogue d’icônes qui ont changé la façon de penser la lumière.
Un grand pouvoir d’attraction symbolique.
La collaboration avec les designers les plus visionnaires du panorama international.
Le don de découvrir de nouveaux talents.
Le courage d’oser, et même de provoquer, sans trahir les principes fondamentaux du design.
La constance dans l’expérimentation de matériaux et de technologies.
Une grande variété de formes, dans toutes les déclinaisons possibles, du basique au luxe, toujours associée à l’innovation et à la qualité.
L’évolution, depuis le produit jusqu’au projet, pour concevoir des luminaires en fonction des espaces.
La faculté de se mettre au service des clients pour étudier et inventer des systèmes d’éclairage adaptés aux architectures des lieux, ouverts et fermés, publics et privés.
La capacité d’évoluer sans perdre son ADN.
Savoir se développer, avec des chiffres d’affaires exponentiels, tout en s’adaptant aux mutations socio-culturelles, et en restant fidèle aux principes fondateurs.
Une garantie immédiatement perceptible de design haut de gamme et de prestations lumineuses élevées.

Les origines
Flos est née à Merano, en 1962. Dès le départ, elle fait appel à d’excellents collaborateurs, dont Achille et Pier Giacomo Castiglioni et Tobia Scarpa. Le cocoon figure parmi les premières expérimentations, une matière nouvelle à fort potentiel plastique, provenant des USA et utilisée comme matériau d’emballage par l’armée américaine. En 1964, Sergio Gandini entre dans la société et le siège est transféré dans les environs de Brescia. En 1968 le premier magasin Flos ouvre à Milan, conçu par les frères Castiglioni.

La croissance et l’évolution
En 1971, Flos lance la première de ses filiales en Allemagne. En 1974, elle achète Arteluce, une marque historique fondée en 1939 par Gino Sarfatti, et elle ouvre sa nouvelle usine de production à Bovezzo, à l’entrée de Brescia.
Dans les années 80, la collaboration se poursuit avec Achille Castiglioni qui introduit en 1992, le concept de « famille de produits » avec la série Brera. Parallèlement, elle s’intéresse aux figures émergentes du panorama international. En 1988, elle entame une collaboration avec Philippe Starck. Suivent Jasper Morrison, Konstatin Grcic, Marc Newson, Antonio Citterio, Marcel Wanders, Sebastian Wrong, Laurene Leon Boym, Paolo Rizzato, Piero Lissoni, Rodolfo Dordoni, Tim Derhaag, Johanna Grawunder, Joris Laarman, Patricia Urquiola, Paul Cocksedge, Ron Gilad, Edward Barber & Jay Osgerby, jusqu’à la récente collaboration avec les frères Ronan & Erwan Bouroullec.
Les années 90 marquent une orientation vers le Contract. Pour répondre à la demande croissante de solutions spécifiques en termes de projets d’éclairage de haut niveau, la division Light Contract est créée pour fournir un conseil complet aux architectes et lighting designers, depuis le projet jusqu’à la réalisation d’appareils et de systèmes d’éclairage sur mesure, uniques et en série limitée.
En 1996, Piero Gandini, fils de Serge, est nommé Directeur Général, puis Président en 1999.
En 2007, Flos inaugure son showroom professionnel à Milan, Corso Monforte, conçu par Jasper Morrison. L’espace, 574 m2 sur deux niveaux, caractérisé par une extrême rigueur formelle et par l’utilisation, au sol, de pierre ‘Diamant’ de couleur grise se fondant harmonieusement aux piliers d’époque gardés intacts, s’articule sur les deux côtés d’une charmante cour intérieure. Le rez-de-chaussée, donnant sur la cour grâce à de grandes baies vitrées à ouverture verticale, accuille la réception, l’espace d’exposition principal, une salle technique architecturale et une salle de réunion. Le sous-sol abrite un espace détente et l’exposition de la ligne outdoor dans un décor très évocateur. En matière de communication, il perpétue la tradition de collaboration avec d’excellents professionnels, confiant l’image et les campagnes publicitaires à de célèbres photographes internationaux comme Jean-Baptiste Mondino.

Les icônes
Au fil des années, les catalogues décoratifs de Flos se sont enrichis de modèles qui appartiennent de droit à l’histoire du design : des inventions typologiques et lumineuses à l’esthétique et au design original que des publics d’extractions socio-culturelles différentes peuvent percevoir facilement et rapidement. Parmi elles : Parentesi d’Achille Castiglioni et Pio Manzù, Arco et Taraxacum d’Achille et Pier Giacomo Castiglioni, Miss Sissi, Archimoon, la série Romeo et la série Ktribe de Philippe Starck, la série Glo-Ball de Jasper Morrison, les suspensions Skygarden et Zeppelin de Marcel Wanders, le lustre 2097 de Gino Sarfatti, Ray de Rodolfo Dordoni, Kelvin Led d’Antonio Citterio avec Toan Nguyen, Nebula de Joris Laarman, Smithfield de Jasper Morrison.

Parmi les prix les plus prestigieux obtenus avec les lampes décoratives : le Compasso d’Oro en 1955 pour Luminator d’Achille et Pier Giacomo Castiglioni, en 1979 pour la lampe Parentesi d’Achille Castiglioni et Pio Manzù, en 1994 pour Drop de Marc Sadler et en 2001 pour May Day de Konstantin Grcic.

Le secteur architectural
En 1998, une forte impulsion est donnée au secteur architectural à travers l’acquisition partielle d’Antares, une société espagnole spécialisée dans l’éclairage technique. L’union d’un fabricant espagnol d’appareils d’éclairage pour la grande distribution et d’un fabricant italien de lampes design destinées au marché résidentiel a donné naissance à Flos Architectural Lighting, qui ** l’âme d’ingénierie et celle plus poétique de la lumière.
En 2005, Flos devient actionnaire majoritaire d’Antares (75%). Le premier catalogue Flos Architectural est présenté en 2006 au salon Light+Building de Francfort.

Soft Architecture
Comme preuve de combien la société considère la «durabilité» comme une valeur et non un sacrifice, en 2010, FLOS présente l’un de ses projets les plus ambitieux et avant-gardistes: la collection Soft Architecture. Créée grâce à un matériau composite innovant (Under-Cover) qui allie à la fois la légèreté à un degré de résistance élevé, ce produit permet de garantir performance et durabilité dans le temps, tout en s’intégrant parfaitement dans les faux-plafonds standard en placo-plâtre. La collection répond aux dernières normes internationales en matière de sécurité et de compatibilité environnementale, car elle est fabriquée dans un matériau non-combustible et recyclable, qui a obtenu la certification «Cradle to Cradle». Adaptés aux différents besoins, Soft Architecture peut prendre un caractère et une identité différente en fonction des lieux, qu’il s’agisse d’intérieurs domestiques ou d’espaces publics tels que des restaurants, des spa, des boutiques, des lieux de rencontre, des galeries d’art, des bureaux etc. Pour confirmer la souplesse qui caractérise Soft Architecture, les produits de cette gamme portent la signature de designers : Ron Gilad, Philippe Starck, Sebastian Wrong, Marcel Wanders, Antonio Citterio, Fabio Calvi et Paolo Brambilla, jusqu’à la récente collaboration avec Thierry Dreyfus.
En 2011, Wallpiercing de Ron Gilad a reçu les plus prestigieux prix internationaux et depuis 2012 il est entré dans la collection permanente du MoMA de New York et de l’Art Institute de Chicago.

FLOS aujourd’hui
Grâce au savoir-faire qu’elle a acquis durant cinquante années d’existence, FLOS est aujourd’hui une entreprise internationale qui offre une gamme de produits et de systèmes d’éclairage uniques dans les secteurs résidentiel et architectural. Par un engagement constant dans la recherche et l’innovation technologique, mais sans jamais renoncer à la qualité plus poétique de la lumière, FLOS démontre qu’elle sait regarder vers le futur sans pour autant perdre de vue son patrimoine.

Les filiales
Belgique, Hollande, France, Allemagne, Angleterre, Espagne, Danemark, Norvège, USA, Japon et Chine.

Les boutiques mono-marques
Des boutiques mono-marques en gestion directe sont présentes à Rome, Milan, Paris, Hong Kong, Stockholm, Londres, New York et Lyon.

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Flexform

Qualité, confort, sobriété et élégance: quatre valeurs qui ont amené Flexform dans les meilleurs magasins de meubles dans le monde entier.

Fondée en 1967 et développée par des décennies de tradition familiale et renommé pour sa production de meubles de haute qualité, la marque Flexform a été istantly recongnisable pendant presque un demi-siècle.
Au cours des trente dernières années, l’entreprise située à Meda, près de Milan-a donné lieu à une vaste gamme de produits qui ont pris leur place dans l’histoire du design italien pour leur qualité, l’élégance et le confort.
Il existe une forte synergie entre la production et le design dans une entreprise qui a réussi à stimuler l’interaction créative avec la génération successive de designers: de Cini Boeri de Joe Colombo, de Sergio Asti à Rodolfo Bonetto et Paolo Nava.
Flexform continuer à offrir des exemples importants de la culture du Mouvement Moderne avec des produits conçus par le rationalistes Asnago et Vender.

Aujourd’hui, la collection de l’ensemble Flexform est coordonné par Antonio Citterio, avec son style lucide et inventive. Il a également écrit l’histoire de Flexform conception de certaines des best-sellers comme le système des étagères à débordement et le système de canapé de Groundpiece.
En 2001 Flexform ont introduit une nouvelle marque: Mood Flexform, une collection complète caractérisée par un goût classique, sophistiqué et international. John Hutton, Carlo Colombo, et Roberto Lazzeroni sont les concepteurs de cette ligne de produits.

Flexform sont sur le marché mondial par l’entreprise et ils ont l’intention d’étendre et d’améliorer leur réseau avec distribuiton partenariat privilégié avec les détaillants concernés. En 2007, la société a commencé à inaugurer leurs boutiques phares à Milan, Tokyo, Chicago et Miami et ont continue année après l’ouverture de l’année à Singapour, Seul, San Paolo, Shanghai, Singapour et New York.
Flexform veux continuer sur ce projet de liaison collaborant avec un partenaire bien choisi qui comprennent pleinement l’esprit de l’entreprise en créant des atmosphères qui définissent clairement l’humeur Flexform dans les espaces de vie.

Flexform
Une identité de la valeur

Lorsqu’une entreprise atteint le point où elle produit des «classiques», il faut s’arrêter et réfléchir sur les valeurs qu’il a menées et, plus important encore, mettre en pratique et développé avec l’engagement, le courage et la détermination. En fait, à travers ces valeurs précises, il est devenu une marque de renom de tradition de longue date.
Depuis plus de cinquante ans, Flexform a poursuivi une philosophie basée sur plusieurs valeurs qui sont clairement dans ses produits et image de l’entreprise.
Une telle valeur est COHERENCE de conception, qui réprime une fascination pour les modes qui peuvent être immédiatement populaire, mais rapidement fondu dans l’oubli. Une autre est la lutte pour maintenir la cohérence en tant qu’entrepreneurs lorsque le marché se détraque, s’effondre, et s’assombrit, et des carburants peur que tout désir trop humain pour des résultats immédiats sans effort.
Pourtant, une autre valeur est la persévérance dans la poursuite d’une politique d’entreprise se penchant plus vers le réformisme de la révolution, rarement enclin à l’excès, et fortement orientée vers un lent parcours précis, réfléchissant. Cette stratégie a permis à l’entreprise de créer une succession de valides, les produits complets, reflétant la stabilité rassurante de gens avec leurs pieds fermement plantés sur le sol, qui vont de l’avant dans la vie, une étape à la fois, ne jamais se précipiter ou de perdre leur chemin.
DISCRÉTION, une valeur qui incarne euphémisme, peut être attribuée aux collections se distinguent par leur beauté subtile, une simplicité désarmante, et le raffinement discret, ce qui reflète clairement le concept que moins est vraiment plus où l’élégance est concerné. Jamais excessive ou extravagantes, ces produits sont la preuve de la force de persuasion de silence et le fait que lorsqu’une personne pose sa voix, il est souvent un signe de faiblesse.
Une autre valeur est la loyauté, d’abord et avant tout à soi et à l’image de l’entreprise. La beauté d’une histoire dépend de la façon dont elle est racontée. Un bon produit qui est insuffisamment promu risques apparaissant mauvais.
Grâce à ses images de clair-obscur en noir et blanc représentant des canapés portées à la vie par le charisme expressive des hommes et des femmes photographiées dans des contextes architecturaux fortement symboliques dépourvus de tout, sauf émotions, Flexform est devenue la première société à inventer son propre style narratif unique, original et cohérent qui a existe depuis plus de trois décennies.
Last but not least, il ya la gravité d’une promesse: la promesse d’un produit de qualité. Ainsi, même une chaise peut aider à améliorer la qualité de vie.
Il ya quelques années, les clients éclairés de cette société ont eu la clairvoyance de comprendre que deux personnes, en particulier, étaient les «auteurs» possibles de l’histoire de l’entreprise: Antonio Citterio, le cerveau derrière la structure des différentes collections et des projets, et Natalia Corbetta , le directeur artistique de l’image de l’entreprise et chef du projet graphique.
Modus Est en rébus. Flexform peut dire qu’il a trouvé lui-même, aussi grâce à leur contribution.

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Fiam

FIAM est né de la passion d’un homme pour le verre.

Fondée par Vittorio Livi en 1973, conçoit FIAM, développe et fabrique des éléments de mobilier en verre incurvé, leur création grâce à une combinaison de processus de l’artisanat et de l’industrie, en fait la fusion de la tradition et de l’innovation, la main d’artisanat et de design. Vittorio Livi est venu à connaître et à apprécier verre à partir d’un très jeune âge. Verre, solide et fragile, naturel et artificiel, ancienne et industrielle tout en même temps, c’est une masse de contradictions apparentes, et Livi cher pour juste que, ainsi que pour ses qualités pratiques. Le verre est respectueux de l’environnement et d’hygiène: cela peut paraître simple, en raison de sa transparence, mais aussi sa chimie et sa physique sont vraiment très complexe. Et ce matériau de vaste potentiel a été pratiquement utilisé que dans le monde du mobilier pour la production de petits accessoires ou des ornements. Et donc à l’esprit créatif du jeune Vittorio Livi, un rêve a commencé à prendre forme:
verre deviendrait une étoile unique dans le monde de la conception fine, servant à produire des éléments de mobilier qui serait étonnamment solide encore magnifiquement transparente; éléments de conception qui s’élèverait au-dessus de l’âge de leur production, épargnée par les années qui passent, des espaces et des modes. Dès ses débuts, la FIAM immédiatement axé sur l’innovation en tant que moteur pour la réalisation de son entreprise et des objectifs culturels. Cette innovation allait procéder sur trois fronts.

Savoir-faire artisanal
Le succès du processus complexe par lequel le verre est transformé en produit fini s’appuie sur l’expérience des artisans qualifiés qui effectuent diverses opérations: silver-revêtement, le pliage, la décoration, la fusion, gravure, meulage et la sculpture. A la verrerie professionnelle, capable de prévoir, quantifier, de contrôler et de trouver les bonnes solutions de rechange dans chaque cas.
Pendant le processus de pliage, l’expérience du maître artisan et sa capacité à travailler en parfaite harmonie avec l’opérateur de four sont essentielles pour contrôler les formes produites et le succès de l’opération. En dépit de la technologie state-of-the-art utilisé pour forger, le produit fini est unique: un travail artisanal d’art.
Par conséquent, à FIAM le maître artisan est considéré comme aussi important que le concepteur dans la création de la pièce.

Conception
FIAM voit la capacité d’un concepteur de prendre des risques avec des formes comme un défi bienvenu pour son expertise technique. La compagnie a même créé technologies ponctuelles pour produire certaines pièces. Par exemple, en 1982, Massimo Morozzi est venu avec la conception de la table basse Hydra, avec des formes très prononcées, il serait difficile à obtenir avec les machines alors disponibles. Alors FIAM a inventé une machine spéciale (appelée Paser) capable de pousser l’eau et de la poudre abrasive à une vitesse de mille mètres par seconde – soit trois fois la vitesse du son! Et pour produire le tableau d’illusion par Philippe Starck, FIAM a dû créer une usine capable de traiter verre à mille degrés.

Recherche
Main dans la main avec son innovation dans la conception, Livi a toujours investi massivement dans l’innovation technologique. Verre produit industriellement atteint FIAM sous la forme de feuilles. Après la coupe initiale, le meulage et le broyage étapes, la tôle est prête pour le pliage, procédé qui commence par le préchauffage à 630 degrés. Il est fondamental pour la température du verre est absolument uniforme au cours de cette étape, parce que même les infimes différences entraînent la feuille de rompre. A moins de 600 degrés, la masse vitreuse cristallise et ne peut plus être moulé, tandis que, à une température plus élevée, il peut devenir trop s’écoulant librement. Pour faire face à ces problèmes, au fil des ans et que la technologie a évolué, le petit four de bombage naturel au gaz utilisé pour traiter le verre a été remplacé par un autre, plus grand, au fuel un, puis par un autre alimenté par l’électricité, afin de garantir une meilleure contrôle de la température et la transformation de la chaleur du statique au dynamique. Au lieu de briques réfractaires, de nos jours l’isolation est assurée par des tuiles isolantes en céramique high-tech de la sorte également utilisé sur les navettes spatiales. Initialement fabriqué à partir de l’argile, la filière est désormais produite en acier thermique. Fiam a maintenant atteint sa cinquième génération de plantes de pliage de verre: l’artisan verrier maître est maintenant assisté par des technologies innovantes en termes de ces deux instruments et de matériaux, permettant à l’entreprise de relever les exigences de plus en plus difficiles des concepteurs qui souhaitent travailler avec ce matériau hors pair.

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Extremis

Extremis – près de 20 ans d’objets de convivialité

C’est l’amour qui a amené Dirk Wynants, architecte d’intérieur et fils d’ébéniste, à quitter sa Campine natale à la fin des années ‘80 pour s’installer dans le Westhoek, de l’autre côté du pays. Et c’est sa passion pour le design qui l’a amené à fonder Extremis à Gijverinkhove, au cœur de ce même Westhoek. Extremis, une ligne de mobilier, mais pas seulement. Extremis est une marque avec une vision. Une marque avec une mission. Une marque qui a l’innovation dans le sang. Depuis 1994…

Innover ou mourir
‘Ne créez rien, sauf si c’est à la fois nécessaire et fonctionnel. Et si c’est les deux à la fois, faites en sorte que ce soit beau, en plus.’ Ce précepte, découvert par Dirk Wynants lors d’un passage au Stockholm Design Center en Suède, résume exactement ce que fait Extremis. Le but d’Extremis n’est pas simplement de lancer sur le marché de beaux meubles de jardin. Extremis veut imaginer des ‘outils’ qui rendent la vie plus belle. Plus agréable. Ces outils doivent toujours être fonctionnels. Et surtout: ils doivent toujours être meilleurs que ce qui se faisait déjà. Si aucune de ces créations n’est donc le fruit du hasard, au final, chacune d’entre elles est belle, en plus.

Tu’g vo thope te zi’n
Extremis a une mission: associer à notre nature profondément épicurienne un design intelligent basé sur le bon sens populaire. Comment? Avec une gamme complète de meubles ‘hors de l’ordinaire’ assortis d’une fonctionnalité exceptionnelle et d’un design intemporel. Le résultat? Plus qu’une ligne de mobilier, mais un style de vie qui réunit les gens et leur permet de profiter des moments passés ensemble. Le slogan Tools for togetherness (objets de convivialité) ne doit donc rien au hasard, lui non plus.

Durable, s’il vous plaît
Bien avant que des termes comme entreprise durable et responsabilité sociétale ne fassent le tour du monde, Extremis pratiquait déjà résolument les 3 P (people, planet, profit). Qu’il s’agisse de ses relations avec son personnel, ses voisins, ses clients ou ses distributeurs, ce sont les gens (people) qui font en sorte qu’Extremis existe. Qu’il s’agisse d’une réduction des volumes de transport, d’une gestion durable des matières premières, d’une exploitation optimale des matériaux ou du respect d’exigences de qualité permettant d’utiliser les produits pendant toute une vie, l’idée de préserver notre planète (planet) sera toujours présente dans l’univers d’Extremis. Et quid du profit (profit)? Eh bien, seule une entreprise rentable peut réaliser tout ce qui précède.

A chacun son métier…
On peut le dire, les habitants du Westhoek sont un brin têtus. Ceux de la Campine aussi, d’ailleurs. Il était donc inévitable qu’Extremis suive résolument sa propre voie. Son leitmotiv? Ne faire que ce qu’il fait bien. En l’occurrence, la conception. Rechercher de nouvelles idées, concevoir, développer des produits, et créer des prototypes. Et si Extremis n’assure pas sa propre production, c’est un choix: il ne faut pas que ce soient les machines qui déterminent ce que sera le prochain projet; seule une idée innovante peut faire cela. Ce choix lui donne aussi la liberté de choisir parmi un large éventail des meilleures matières et des fournisseurs les plus performants.

L’assemblage, le contrôle de la qualité et la distribution sont des aspects qu’Extremis considère également comme des tâches essentielles. Car il n’y a que comme cela qu’on peut amener les produits dans des conditions optimales au client final. Par le biais d’un réseau de distribution bien huilé qui ne se contente pas de vendre mais qui s’inscrit aussi totalement dans la philosophie de l’entreprise. Comme on dit: à chacun son métier, les vaches seront bien gardées. Et le métier d’Extremis, c’est la création de meubles pour l’extérieur. Ça l’a toujours été, avec tous les défis techniques que cela comporte. Et avec tout le savoir-faire qui en découle.

 

Faits & chiffres

L’entreprise Extremis a été créée en 1994. La première œuvre de Dirk Wynants a été la table de jardin multifonctions Gargantua, devenue entre-temps un classique du design.

En moins de cinq ans, Extremis s’est fait une place de choix dans le marché international du design. Grâce entre autres à la ligne Extempore, qui ouvrait la voie à la combinaison bois et aluminium, fréquemment utilisée depuis lors.

Même si le mobilier d’extérieur représente la niche de prédilection d’Extremis, différentes réalisations (comme la table Picnik et le Kosmos) ont rapidement trouvé à s’installer à l’intérieur de la maison.

Dès le début, Extremis a misé sur l’exportation. Aujourd’hui, cette activité représente 78% de son chiffre d’affaires total. Extremis est vite devenu extrêmement populaire chez nos voisins, mais les Etats-Unis et le Moyen-Orient ont rapidement suivi.

De nombreuses créations sont protégées par un brevet, preuve que le mobilier Extremis repose sur de véritables innovations technologiques, plus que simplement sur le design. ‘Design follows function’: le design doit suivre la fonction, telle est la conviction d’Extremis.

Extremis se targue de pouvoir livrer une commande endéans les deux semaines au client final. Si une bonne gestion des stocks représente un coût important pour Extremis, elle fait néanmoins sa force pour les produits saisonniers que sont les meubles d’extérieur (certainement en Europe occidentale).

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Erba Mobili

Erba a été fondée dans les années cinquante au coeur de la Brianza et se présente comme un modèle de mélange harmonieux de tradition et esprit d’entreprise, en visant principalement le marché international.

L’entreprise a grandi au fil des années, grâce à l’étroite collaboration de Giorgio Soressi, le designer de l’ensemble de la collection et directeur artistique de la compagnie. Iil est maintenant considéré comme un point de repère pour son raffinement, un design innovant en Italie aussi. Chaque pièce est née de l’essence de l’idée et en transforme alors en substance, vivant en parfaite harmonie avec l’espace autour. Design et l’innovation technologique sont les principaux éléments qui distinguent la société. Le choix judicieux des matériaux, l’attention aux détails, la collection exclusive de tissus et de cuirs, des formes, de créer un lien continu entre l’inspiration et la passion.

Erba possède une grande collection de canapés, fauteuils, chaises longues et des éléments modulaires. Beaucoup d’idées pour ceux qui veulent créer un nouvel espace de vie où le confort et la beauté vont de pair.

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Emeco

Fondée en 1944 par Wilton C. Dinges, la Electrical Machine and Equipment Company, désormais appelée Emeco, est la quintessence de l’usine américaine installée à Hanovre en Pennsylvanie.

Emeco est le leader de la chaise en aluminium depuis 68 ans. Elle applique ses principes fondateurs pour bâtir autant une culture que du business. Le premier produit Emeco est la Navy Chair, fabriquée pour durer 150 ans. Les produits sont fabriqués artisanalement pour durer et les principes qui ont fondés cette première chaise continuent de guider l’entreprise aujourd’hui. Emeco est toujours dirigé par des gens qui voient les problèmes comme des opportunités et qui croient dans la liberté seulement si elle permet de créer un monde meilleur. Les nouveaux matériaux, les nouveaux process ouvrent de formidables possibilités qu’ Emeco veut faire partager au plus grand nombre.

Comme l’amour vrai, les produits Emeco durent pour toujours. Année après année, la société a travaillé avec les meilleurs designers internationaux pour créer des produits qui ne tiennent pas seulement le coup, mais qui supportent l’épreuve du temps et embellissent même avec l’âge.

Aujourd’hui Emeco est à la pointe du mouvement pour une production industrielle qui promet un nouvelle façon de vivre plus intelligente et écologiquement responsable, en produisant des chaises et tabourets en aluminium ou en plastique recyclé. Emeco a collaboré avec les designers, architectes internationaux les plus reconnus et a noué des partenariats avec les marques globales, les organisations et les institutions les plus respectées. Philippe Starck, Jean Nouvel, Andrée Putman, Frank Gehry, Norman Foster, Ettore Sottsass, Christophe Pillet, Michael Young, Coca-Cola et McDonalds, Conrans et Morgans ont en commun le même engagement pour un futur meilleur. Emeco continue à travailler pour atteindre cette vision et inspirer un monde meilleur.

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Desalto

Desalto, 20 years of contemporary living

20 years’ activity makes Desalto at the same time a young company, but also a historical one.
Desalto can lay claim to two titles: to a fresh youth, which allows it to band together iconic chairs and clothes stands, like graphic signs sketched in the air, to flexible tables that are as flexible as our daily life.

But, as we are saying, Desalto enters the history of design at the beginning of the nineties. Its story sees the four brothers Orsenigo turn a tradition into a reality which could better answer the demands of the time.

In Desalto originality is linked to tradition by another extraordinary peculiarity, namely its concept of technological research. A complex and sophisticated research supported by the most up-to-date machinery, but always deliberately “silent” in its results, a technical capacity never shown for itself, but always functional with a result of clarity and simplification.

Today, on its twentieth anniversary, Desalto has not turned into an “editor of design”, but it is still a “producer of design” maintaining the connection between territory and project, a company project aimed at making all normal corporate activities sustainable.

And this dialectic between tradition and originality allows it to show precision in its project, topicality in its context and grace in its design; to underline the rigour of its invention and the courage of its choices; to emphasize elegance of substance and modesty of expression.

From the sum of those features descend products that represent the desalto idea of contemporary living.

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Cassina

À propos de Cassina Fondé en 1927 dans le nord de l’Italie, Cassina conçoit l’avenir depuis 85 ans. Dans les années 1950, la société a lancé le design industriel en Italie, encourageant architectes et designers à imaginer de nouvelles créations et à concrétiser leurs inspirations par l’expérimentation, la recherche et l’innovation. Ce faisant, Cassina a jeté les fondations qui constituent son socle, aujourd’hui encore. Depuis, la société a confirmé ses prouesses authentiques, créatives et intellectuelles en travaillant systématiquement aux côtés des plus grands talents des XXe et XXIe siècles, notamment avec des architectes et des designers aux divers styles, sensibilités et créativité, tels que Le Corbusier, Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret, Franco Albini, Charles Rennie Mackintosh, Gio Ponti, Vico Magistretti, Philippe Starck et Gaetano Pesce.

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Carl Hansen

Réputée depuis plus d’un siècle pour son attachement à un artisanat de qualité, l’entreprise Carl Hansen & Søn produit de grands classiques du mobilier tels que la chaise ‘Wishbone’ et le fauteuil ‘Shell’ de Hans J. Wegner, avec le soin et la passion qui la caractérisent depuis sa fondation. 

Historique                              

Carl Hansen & Søn est fondée en 1908 par l’ébéniste Carl Hansen, qui établit son premier atelier de production de meubles à Odense au Danemark. Le fils de Carl Hansen, Holger Hansen – également ébéniste qualifié – reprend le flambeau en 1934. Holger Hansen s’emploie alors à travailler avec des jeunes créateurs, qui sont parmi les plus talentueux du Danemark. La collaboration avec Hans J. Wegner commence en 1949, celui-ci créant quatre chaises au cours de cette première année, y compris la mondialement célèbre chaise ‘Wishbone’.

L’entreprise prend des risques en confiant la majeure partie de sa production à un créateur inconnu à l’époque. En quelques années, les créations de Wegner se font remarquer au Danemark et à l’étranger, Wegner devenant par la suite le designer le plus réputé et le plus vendu de la marque. Wegner est aussi une force motrice dans la diffusion internationale du mouvement design du « Modernisme danois ».

Représentant la troisième génération après le fondateur Carl Hansen, Knud Erik Hansen fait accéder l’entreprise familiale à une nouvelle phase en 2002 lorsqu’il initie une procédure d’internationalisation qui résulte dans la commercialisation dans le monde entier des meubles de l’entreprise. Carl Hansen & Søn exploite des filiales commerciales au Canada, au Japon et en Chine et possède des showrooms à New York, Tokyo et Copenhague. L’entreprise a ses propres attachés commerciaux en Grande-Bretagne, en Norvège, en Suède, en Allemagne et à Hong Kong, cependant que le reste du monde est couvert par différents agents.

Carl Hansen & Søn développe également le profil de l’entreprise au Danemark et parvient à réunir sous un même toit des modèles classiques caractéristiques du mobilier danois, notamment le fauteuil ‘Wing’ de Hans J. Wegner, le fauteuil ‘Safari’ de Kaare Klint et le fauteuil ‘Colonial’ d’Ole Wanscher. Carl Hansen & Søn vise à rassembler dans son portefeuille les plus beaux et plus emblématiques classiques du design, sélectionnant des objets remarquables pour leur qualité et leur conception durable. L’entreprise emploie actuellement 165 personnes au Danemark et dans le monde.

Traditions artisanales

Carl Hansen & Søn produit du mobilier design haut de gamme, qui comprend tables de salle à manger, chaises, fauteuils, repose-pieds et canapés, ainsi que du mobilier de bureau et du mobilier pour enfants. L’entreprise s’emploie à préserver des décennies de belles traditions artisanales tout en les associant à des technologies modernes de production.

Dans la ligne de ses origines et de la philosophie du design de Hans J. Wegner, Carl Hansen & Søn produit un mobilier de qualité qui conserve longtemps sa valeur et sa beauté, un mobilier durable par sa conception et les matériaux utilisés, dans le respect de plus d’un siècle de traditions.

L’acquisition par Carl Hansen & Søn du célèbre créateur de meubles Rud. Rasmussen en 2011 a permis à l’entreprise d’atteindre son objectif : poursuivre sa spécialisation dans la production de mobilier classique d’excellente qualité.

Les créateurs

Carl Hansen & Søn est actuellement le plus grand fabricant mondial de meubles conçus par Hans J. Wegner. L’entreprise collabore étroitement avec le studio de création de Hans J. Wegner – une collaboration qui a permis à Carl Hansen & Søn d’introduire et de relancer certaines des créations les plus originales de Wegner. Carl Hansen & Søn produit aussi des meubles classiques créés par d’autres designers danois réputés, notamment Mogens Koch, Kaare Klint et Ole Wanscher – et détient les droits exclusifs de production des créations d’Ole Wanscher.

Carl Hansen & Søn vise en permanence à ajouter de nouvelles créations à son portefeuille de produits. L’entreprise produit actuellement des meubles créés par le duo de designers Christina Strand et Niels Hvass, ainsi que par Thomas Bo Kastholm, le fils de Jørgen Kastholm, célèbre architecte et créateur de meubles danois. Sur la scène internationale, Carl Hansen & Søn collabore avec le designer japonais réputé Tadao Ando.

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Cappellini

De 1946 à aujourd’hui Cappellini est passé à travers une transformation profonde qui a conduit la société à comparer avec les plus différents cercles du monde de l’ameublement et du design. Dès les premières approches de la créativité internationale, en passant par la commercialisation de pièces de haute qualité, à la présentation de designers d’extraction et de caractère différent, Cappellini a donné la vie au cours des années à des collections différentes et hétérogènes, mais qui cohabitent avec une grande harmonie et installation sous la même marque. Cappellini donc né comme une entreprise d’artisanat, a penché vers le nouveau millénaire indissolublement liée au monde de l’image, de l’expérimentation et de la recherche de modèles, souvent de la simplicité la plus raffinée, qui laisse suffisamment d’espace pour le consommateur, une interprétation individuelle. Les produits de Cappellini sont jamais ennuyeux ni absurde, mais ils possèdent toujours quelque chose de vivant et de la lumière, souvent pleine d’humour sain, d’autres fois proposant des solutions formelles courageux et dynamique: telles sont les caractéristiques qui font de la collection Cappellini complète des fractures et des contradictions vivaces . Courageusement, Cappellini continue à travailler avec des designers du monde entier, des tempéraments différents qui ne crée pas un véritable «style de Cappellini», mais qui sont en concurrence pour former une collection équilibrée et convaincante.

La réalité nommé Cappellini se compose aujourd’hui de Collezione, Sistemi, Mondo, Progetto Oggetto et de la division du contrat.

Collezione introduit sur les produits au stade internationales différentes pour origine et pour l’expérience des concepteurs, mais cohérent sur le plan de la recherche esthétique et expressive de toucher un public de plus en plus cosmopolite, ils sont des éléments forts, mais capable de s’intégrer dans le différents environnements sans créer upsettings. Elles sont le fruit d’une combinaison équilibrée entre les projets et les technologies de pointe, toujours dans le respect de l’aspect productif « vestimentaire » traditionnel.
Pour satisfaire l’imagination et l’intervention du consommateur, le maintien également une production de quantités suffisantes, à partir de 1981 Cappellini se consacre à l’étude et la réalisation de la collection Sistemi, une proposition d’une extrême souplesse qui permet de fournir de différentes manières complètement différentes environnements grâce à une vaste gamme de couleurs, les finitions, les placages et les typologies des compléments et accessoires.
Cappellini dans les «années 80 avait la possibilité, à travers la collection Mondo, de puiser dans l’imaginaire collectif pour combler l’écart entre le design et meubles traditionnels, la création d’une nouvelle collection qui encore aujourd’hui intègre le moderne avec le passé.
Cappellini consacre également ses recherches sur les objets et les compléments de créer en 1992 une collection de produits pour le calme de la maison et mesurée, simple mais d’une grande conception.
Progetto Oggetto est la conception de la normalité et de la synthèse, les lampes, les vases et des récipients qui composent la collection sont comme elles devraient toujours être agréable et honnête.
division du contrat se termine finalement l’offre hétérogène de production Cappellini, la gestion de deux projets « sur mesure » et en réglant une grande attention aux clients qui choisissent directement à partir du catalogue. La division est une réalité qui offre le design comme une grande valeur, en laissant à la disposition des architectes les différentes langues esthétiques des noms les plus intéressants dans le monde de la conception fonctionnelle, avec des éléments de travail transversal qui peut être facilement intégrées et adaptées à tout nécessités.

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B&B Italia

Dès sa fondation en 1966, B&B Italia s’est affirmée comme leader dans le secteur de l’ameublement contemporain. Le siège de B&B Italia est situé à Novedrate dans la province de Côme. Les bureaux se trouvent dans un bâtiment conçu en 1972 par Renzo Piano et Rogers.

Née de la capacité de représenter la culture contemporaine, de pressentir et d’anticiper les tendances, et de répondre aux changements de goûts et aux exigences de l’habitat, la collection d’ameublement B&B Italia est célèbre dans le monde entier et représente une partie fondamentale de l’histoire du design italien.

Une alchimie inimitable de créativité, innovation et capacité industrielle est à l’origine du succès de B&B Italia, dont l’objectif est de créer des produits “intemporels” et “durables dans le temps”. En parcourant l’histoire de B&B Italia, l’on s’aperçoit combien la recherche technologique est un élément central de la politique de développement de l’entreprise.

B&B Italia dispose d’un Centre de Recherche et Développement interne qui opère avec plusieurs designers et alimente un processus de développement qui a permis à l’entreprise de se distinguer au fil des ans par sa forte capacité d’innovation.

Toutes ces qualités ont été reconnues par de nombreux prix, aussi bien en Italie qu’à l’étranger, parmi lesquels quatre “Compasso d’Oro”, la reconnaissance la plus significative dans le domaine du design industriel italien.

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Artemide

Design, Innovation & Made in Italy

Le Groupe Artemide est l’un des leaders mondiaux dans le secteur de l’éclairage résidentiel et professionnel haut de gamme.
Fondé en 1960 par Ernesto Gismondi, Président, le Groupe Artemide, dont le siège est basé à Pregnana Milanese, travaille à travers 24 sociétés contrôlées et reliées, et un réseau de distribution incluant quelque 60 show-rooms monomarques dans les plus importantes villes du monde. Les produits Artemide sont distribués dans 98 pays.
Avec ses cinq unités de production en Italie, France, Hongrie et Etats-Unis, deux verreries et deux structures de Recherche et Développement en Italie et en France, le Groupe emploie actuellement environ 750 salariés dont 68 en activités de R&D, confirmant le rôle majeur de l’innovation comme composante clé du succès du Groupe.
Le design de haut niveau, le haut degré d’innovation technologique, la conception de produits pour répondre aux besoins de l’homme, ainsi que des investissements constants en marketing et communication, sont les facteurs clés qui ont permis à Artemide de devenir l’une des marques d’éclairage les plus réputées et prestigieuses du monde.
Connue pour sa philosophie « The Human Light », qui place l’homme et la recherche de son bien-être au cœur de la conception et du design de ses produits, Artemide est de nos jours synonyme de design, innovation et made in Italy.

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Arco

Arco Meubelfabriek bv est un fabricant de meubles néerlandais de mobilier design de haute qualité. La société a été fondée en 1904 et est toujours familiale. Willem van Ast n’est pas seulement le propriétaire de l’entreprise, mais il est aussi responsable d’une grande partie de la collection Arco développé dans les dernières années. En outre, Arco coopère également avec des designers de renommée internationale tels que Arnold Merckx, Burkhard Vogtherr et Michiel van der Kley.

Collection

Arco fabrique des tables, chaises, buffets et aussi des chaises et des canapés facile, convient pour une utilisation dans les espaces privés et de travail. Deux mondes qui coïncident aujourd’hui de plus en plus et pour lesquels le mobilier d’Arco est très approprié. Chaque meuble est fabriqué sur commande, en concordance au goût de chacun et les souhaits du consommateur, dans le large éventail de types de bois, couleurs de laque et d’autres matériaux. Le mobilier se caractérise par une conception sobre contemporaine, avec des détails subtils. Le design pur et style modeste assurent une beauté radieuse personnelle.

En dehors de la conception d’un meuble, la durabilité, la facilité d’utilisation et un choix responsable des matériaux sont des aspects de plus en plus importants dans la vision d’Arco. Prêter attention à l’environnement, Arco veut produire un morceau de qualité durable et techniquement élevé de meubles, en utilisant une combinaison de la technologie informatique et de l’artisanat traditionnel. Un meuble qui peut être apprécié depuis de nombreuses années, tant pour la qualité et le design.

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Alias

Légèreté technologique, transversalité et innovation sont depuis 1979 les valeurs clefs d’Alias, marque historique du design made in Italy. Des valeurs d’où il démarre le lien de l’entreprise avec des designers confirmés à travers lesquels Alias a su faire émerger l’originalité de chaque concepteur dans un échange continu de stimulations et d’idées et avec la volonté constante de détourner les matériaux et d’expérimenter les technologies. Le succès international de la marque est le fruit de ses efforts en faveur de la recherche créative et de la qualité du produit, d’une solide capacité de production et d’une grande expérience en matière de distribution. Alias, dont le siège se situe à Grumello del Monte, près de Bergame, dispose d’un réseau commercial d’environ1000 magasins dans 50 pays du monde. En 2008 a été inauguré le premier flagship store Alias à Milan, Corso Monforte 19: un cadre magnifique sur deux niveaux qui présente l’ensemble de la gamme de l’entreprise et de sa recherche conceptuelle. Grâce à l’essentialité de sa puissance expressive, tous les projets Alias répondent aux différents besoins des espaces domestiques, des collectivités et du plein air. Une production en perpétuelle évolution, qui satisfait les nécessités réelles de la vie, du travail et de l’habitat modernes.

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Tobia Scarpa

Tobia Scarpa works in the field of architecture, design and restoration.

In 1969 he earned a degree in architecture form the Università di Venezia and the same year he won the ‘Compasso d’Oro’ award for the ‘Soriana’ easy chair. For his work as designer, he received many other awards, such as ‘If Industrie Forum Design Hannover’ in1992. Inaddition, some of the objects he has designed are exhibited in the most important museums worldwide, beginning with the ‘Libertà’ chair at the Louvre inParis.

In the architecture field he works with public and private clients such as the Benetton Group for whom he designed the entire complex in the industrial area of Castrette di Villorba (Treviso). The Benetton facilities are still today considered true aesthetic-functional paradigma, and exemplary works of industrial architec­ture.

Since 2002 Scarpa has taught in the Design Department of the Istituto Universitario di Architettura inVenice. In October 2004 the Istituto Italiano di Cultura hosted a one-person exhibition of his work in the fields of architecture and design inChicago, Los Angeles and Washington. In 2008 he celebrated his career with a “Compass d’oro” award.

Elio Martinelli

Elio Martinelli

Né à Lucca en 1921.
Diplômé de l’Institut des Beaux Arts de Florence, il contribue ensuite par sa créativité au développement de l’activité paternel dans le secteur du luminaire.
Après plusieurs années et de nombreuses expériences dans le design, il débute son activité professionnelle dans un studio à Lucca.
Au départ, il s’intéresse principalement au design intérieur et à l’aménagement de magasins, restaurants, hôtels et espaces publics.
Le besoin de finaliser ses projets lui impose de dessiner et réaliser ses propres systèmes lumineux.
Dans les années 50, il commence à produite et édite son premier catalogue.
Durant ses années, Elio Martinelli réalise des modèles simples et stricts qui rencontrent un vif succès et font de sa société la référence italienne en terme de luminaire.
Sa réputation traverse les frontières et il commence à travailler avec des designers de renoms.
En 1966, la société participe à la première édition d’Eurodomus, sur l’invitation de l’architecte Gio Ponti.
En 1973, il est présent au 14ème et 15ème édition de la Triennale de Milan.
Simplicité, géométrie et nature sont à l’origine de l’inspiration d’Elio Martinelli.
Il est constamment à la recherche de nouvelles idées, nouvelles technologies et nouveaux systèmes de production.
Certains de ses projets sont exposés au Metropolitan Museum of Art de New York, au Musée des Arts Décoratifs de Montréal et au Musée d’Art de Philadelphie.

Il nous quitte en 2004, laissant un héritage culturel immense.

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Frank Lloyd Wright

Frank Lloyd Wright (1867 – 1959) est l’un des architectes américains les plus importants de
son époque.

Il est considéré comme un maître du Mouvement moderne en architecture avec
Walter Gropius, Le Corbusier, Alvar Aalto et Ludwig Mies van der Rohe.

Au début de sa carrière il se concentre sur des projets de maisons
unifamiliales où il approfondit le rapport entre individu, espace architectural
et nature.

En 1939, il écrit un livre, Architecture organique, dans lequel il exprime sa
conception de l’architecture, basée sur le refus de la recherche purement
esthétique.

Selon Wright, le projet architectural doit créer une harmonie entre l’homme et
la nature, entre le bâti et l’environnement naturel.

Sa philosophie s’inspire davantage de l’architecture orientale et a été à
l’origine de nouvelles formes architecturales américaines très géométriques, en
opposition aux modèles classiques occidentaux.

Wright a défini lui-même ce nouveau concept : « Par architecture organique,
j’entends une architecture qui se développe de l’intérieur vers l’extérieur en
harmonie avec les conditions de son existence, à la différence d’une
architecture appliquée de l’extérieur. ».

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Borek Sipek

1949, Prague

Après avoir étudié à l’école secondaire des Arts décoratifs de Prague, à Hambourg puis à la Hochschule für Bildende Kunst, Borek Šípek ouvre son bureau d’architecture et de design à Amsterdam en 1983. Il réalise un projet d’habitat sous serre avant de se consacrer au design de meubles, à la céramique et à la verrerie. Il signe entre autres la chaise Bambi (1983), la chaise longue Sni (1987), la table Satoni San (1988) et le vase Hanneke (1989). Son style est caractéristique, mêlant l’ancienne tradition cristallière de Bohême et les formes baroques. Borek Šípek est édité notamment chez Alessi, Driade, Flos, Wittmann et Vitra. Il a remporté le Prix allemand pour l’architecture en 1983 et a été nommé Designer de l’année en 1989. Il est représenté actuellement dans de nombreux musées internationaux.

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Gio Ponti

Gio Ponti est un architecte, designer industriel, auteur, enseignant italien. Il a mené une carrière unique, participant de manière active au renouveau du design d’après-guerre.

Né à Milan en 1891, il est diplômé de l’École polytechnique de Milan en 1921. En 1925 il est nommé directeur à la biennale de Monza en Italie, responsabilité qu’il conservera jusqu’à sa mort en 1979. Grâce à son implication, la Biennale connaît un formidable développement : déplacée à Milan en 1933, rebaptisée Triennale d’art et d’architecture moderne, elle devient un lieu privilégié d’observation de l’innovation au niveau international.

En 1928, il lance également Domus, revue d’architecture encore publiée aujourd’hui qu’il dirige jusqu’en 1979 et dont il fait une référence internationale. Créée à l’origine pour promouvoir les idées du Novecento, répercutant et encourageant les projets modernistes d’après la guerre, Domus joue un rôle important dans l’évolution du design et de l’architecture italiens et internationaux. Ponti y fait découvrir le travail de Charles Eames ou celui du décorateur Piero Fornasetti avec qui il réalise de nombreux projets.

Il commence son activité d’architecture au sein de l’agence d’Emilio Lancia et Mino Fiocchi. Jusqu’en 1945, associé aux ingénieurs Antonio Fornaroli et Eugenio Soncini, il réalise de nombreux projets architecturaux : l’École de Mathématique de l’Université de Rome (1934), le premier immeuble de Montecatini (1936), les ensembles d’appartements  » Domuses  » à Milan(1931-1936).

Dans les années 60 et 70, Ponti crée les façades  » en dentelle  » de la cathédrale de Taranto (1970) et de la chapelle de l’hôpital de San-Carlo à Milan. (1967). En collaboration avec les fabricants de céramiques, dont Pozzi et d’Agostino, il mène des expérimentations sur les revêtements et réalise les façades du musée d’art de Denver (1971) et celle du magasin Shui-Hing de Singapour (1978).

Directeur artistique de 1923 à 1930 pour Richard Ginori, fabricant de céramiques, il adapte l’ensemble des créations de l’entreprise à la production en série et conçoit des pièces néoclassiques couronnées d’un grand prix à l’Exposition Internationale des Arts décoratifs de Paris en 1925.

En 1928, il est fondateur de DOMUS, une revue d’architecture. En 1930, il créé pour Fontana des meubles et des luminaires et devient en 1933 directeur artistique de la filiale Fontana Arte pour qui il conçoit une lampe cylindrique cernée de disques de cristal et de miroirs. Enseignant de 1936 à 1961 à l’Ecole Polytechnique de Milan, il forme plusieurs générations de designers.

De 1946 à 1950, il conçoit pour Venini des bouteilles de verre, des lustres, dont un chandelier multicolore en verre de Murano.

En 1948, il crée la célèbre machine à expresso la Pavoni dont les cylindres chromés évoquent l’univers industriel. Exportée dans le monde entier, elle devient pour les adolescents qui fréquentent les cafés, le symbole de la  » dolce vita « . Les années 50 sont les plus prolifiques de sa vie : avec Piero Fornasetti, il crée des aménagements intérieurs néoclassique, du mobilier. Au même moment, Ideal Standard lui confie la conception d’une gamme de sanitaires. Sa salle de bain  » Série B « , éditée en 1953, offre une ligne sobre et fonctionnelle à l’opposée du style néoclassique. Dès 1955, la chaise Superleggera conçue pour Cassina, toujours en production aujourd’hui, arrive sur le marché. Ses qualités que sont ses lignes à la fois classiques – inspirées du mobilier traditionnel des pêcheurs de Chiavari, le village d’origine de Gio Ponti – et ultra-moderne ainsi que son poids plume (1,7 kg) font de la Superleggera un classique du design.

Gio Ponti contribua, par ailleurs, contribua à créer l’une des récompenses les plus importantes du design : le Compasso d’Oro.

Gio Ponti décède le 16 septembre 1979.

john pawson

John Pawson

John Pawson débute dans l’entreprise de textile familiale à Yorkshire. Il se rend ensuite au Japon où il enseigne et rencontre le designer Shiro Kurumata. De retour en Angleterre, il rejoint l’Architectural Association et se spécialise. John Pawson mène alors une carrière internationale. Il conçoit aussi bien des galeries d’art que des intérieurs privés, des magasins ou des restaurants. Parmi ses derniers projets figurent la boutique Calvin Klein de New York et les salons de la Cathay Pacific à l’aéroport de Hong Kong.

pagnon & pelhaitre

Pagnon & Pelhaître

Après des études classiques puis supérieures à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de la rue d’Ulm, Pagnon & Pelhaître ont travaillé avec différentes agences d’archi jusqu’à ce qu’un industriel leur « demande de collaborer » pour valoriser des compétences complémentaires… à leur grand étonnement. Depuis ce jour, le match continue pour le grand bonheur des consommateurs et de grandes marques, Ligne Roset, Cinna, Habitat, Sarila… entre autres. Il s’expriment avec leurs équipes dans des domaines très variés : réalisation d’usines et de luminaires, de magasins et de chaises, de restaurants et de tables , de bureaux et de rangements, d’expositions et de canapés… Leur travail se base sur le long terme sans se soucier des effets de mode. Novateur, leur design dessine la tendance mais reste intemporel.

pascal mourgue

Pascal Mourgue

Né en 1943, à Neuilly, France.

Pascal Mourgue est surtout un artiste. Il est diplömé de l’Ecole Boulle (sculpture) et de l’Ensad (Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs) en France.

Designer industriel depuis 1962, il est passionné par l’industrie mais continue sa vie d’artiste. Il poursuit sa carrière sans tapage médiatique.

Sa production, sans cesse croissante et mondiale, reflète un souci constant de modernité et de simplicité. Il attache autant d’importance à la fonctionnalité et à l’esthétique qu’au résultat économique des produits créés.

Son amour de l’art l’a amené à attaquer des projets divers : des bateaux à voile pour Cartier, des objets en cristal pour Baccarat, l’architecture, la peinture, la sculpture…

Ce n’est qu’au début des années 80 qu’il se lance dans la création de mobilier. En 1994, il commence sa collaboration solide et fructueuse avec Ligne Roset.

peter maly

Peter Maly

1936, Trautenau, République tchèque

Après des études d’architecture à l’École supérieure spécialisée de Detmold, Peter Maly travaille en tant que journaliste pour la revue Schöner Wohnen pendant une dizaine d’années (de 1960 à 1970). En 1970, il ouvre sa propre agence à Hambourg. Outre le design de mobilier et de textile, il conçoit le design d’intérieur des boutiques Ligne Roset que ce soit à Moscou, New York, Berlin ou Hambourg, ainsi que l’aménagement de stands dans les foires. Peter Maly a travaillé entre autres pour Anta, Behr International, COR, Interlübke, JAB Anstoetz, Ligne Roset, Mauser, Thonet et Tonon. Il a remporté de nombreux prix dont le prix fédéral de la Gute Form (1985, 1986) et le DuPont Award (1986).

charles r mackintosh

Charles R. Mackintosh

1868, Glasgow – 1928, Londres

Designer

Charles Rennie Mackintosh est l’un des architectes et designers écossais qui a marqué l’histoire du design britannique du XXe siècle. Apprenti dans le bureau d’architectes Honeyman & Keppie à Glasgow, il crée un style moderne, très novateur pour son époque. Mackintosh trouve son inspiration aussi bien dans la nature que dans l’âge celtique et mélange de manière originale des formes géométriques avec des éléments décoratifs stylisés. Il commence sa carrière par des réalisations architecturales telle la maison Windyhill et la maison Hill à Helensburgh, pour lesquelles il conçoit l’agencement intérieur. Pour Mackintosh, l’aménagement intérieur fait partie intégrante de l’architecture et chaque détail a son importance. On le voit dans la décoration du salon de thé d’Argyle Street à Glasgow pour lequel il dessine sa célèbre chaise à haut dossier. Sa réalisation architecturale majeure reste à ce jour l’École d’Art de Glasgow. Malgré sa renommée, la carrière de Mackintosh a été relativement courte. Il sera redécouvert et réédité par la firme Cassina dans les années 60.

florence knoll

Florence Knoll

1917, Saginaw, Michigan

Florence Knoll est à la fois architecte, chef d’entreprise, décoratrice, designer de meubles et de textiles. Elle a étudié à l’Académie de Canbrook, à l’Architectural Association de Londres et à l’Institut Illinois de Technologie, où elle est l’élève de Mies van der Rohe. En 1940, elle travaille dans le bureau d’architecture de Walter Gropius et de Marcel Breuer. À partir de 1943, elle collabore avec Hans Knoll. En 1946, ils se marient et fondent la firme Knoll Associates, qui devient vite l’une des sociétés les plus importantes de la seconde moitié du XXe siècle. L’entreprise assoit sa réputation sur la qualité des matériaux et l’innovation en matière de technologies. Florence Knoll est responsable de plusieurs départements. Elle crée également du mobilier et signe l’aménagement intérieur d’expositions ou d’immeubles. Parmi les designers qui travaillent pour Knoll, on compte en outre Harry Bertoia, Eero Saarinen ainsi que des designers du Bauhaus. En 1955, à la mort de Hans dans un accident de voiture, Florence Knoll prend la direction de l’entreprise. Celle-ci est vendue quatre ans plus tard à Art Metal Inc. Florence Knoll est nommée designer consultant.

poul kjaerholm

Poul Kjaerholm

1929, Oster Vra, Danemark – 1980, Hillerod, Danemark

Poul Kjaerholm est l’un des grands designers danois. Décédé prématurément, il a laissé néanmoins un grand nombre de chaises, de canapés et de tables qui sont devenus des références, telle la chaise PK 22 (1956) ou le pliant PK 31 (1961). Bien que maître ébéniste de formation, il a surtout créé des meubles destinés à être produits en série. Très perfectionniste, Poul Kjaerholm s’est attaché à marier différents matériaux comme l’acier, le cuir, le tissu ou la vannerie, telle la chaise longue PK 24 (1965) qui n’est pas sans rappeler celle de Le Corbusier. Depuis le milieu des années 50, Poul Kjaerholm a travaillé exclusivement pour le fabricant de meubles E. Kold Christensen. Il a remporté de nombreux prix dont le grand prix à la Triennale de Milan (1957, 1960) et le prix Lunning (1958). En 1976, il est nommé professeur à l’Académie royale des Arts de Copenhague. Depuis 1982, c’est la firme Fritz Hansen qui édite ses meubles.

alfredo haberli

Alfredo Häberli

Né à Buenos Aires en 1964, il s’installe à Zurich en 1977. C’est là qu’il débute, en 1988, sa carrière d’organisateur et de créateur de nombreuses expositions au Museum für Gestaltung. Toujours à Zurich, il obtient quelques années après (1991) son diplôme de designer industriel. Entre 1993 et 1999, il ouvre une étude avec son camarade d’université Christophe Marchand, avec qui il travaille dans différents secteurs industriels et des entreprises de renom telles que Driade, Edra, Luceplan, Classicon, Zanotta et plus tard avec Alias pour laquelle ils créent en 1997 le système d’éléments composables « SEC ». Leur association prend fin en 2000, lorsqu’Alfredo ouvre son propre bureau de design ; il continue avec Alias et crée le « Legnoletto », la « Segesta ». Il vit et travail à Zurich.

Les projets d’Häberli , qu’ils soient en collabboration avec Alias, Camper, Iittala, Kvadrat, Luceplan, Moroso ou Volvo, réussissent à lier tradition avec innovation, la joie avec l’énergie.

frank o gehry

Frank O. Gehry

1929, Toronto

Frank O. Gehry prolonge ses études d’architecture à l’université de Los Angeles par des études d’urbanisme à la Harvard University à Cambridge (Massachusetts). En 1962 il fonde son bureau d’architecture à Los Angeles. Son langage architectural complexe a fortement influencé la discussion autour de l’architecture et du design. Les constructions phares de Frank O. Gehry sont le Musée Vitra à Weil am Rhein, le American Center de Paris et le Musée Guggenheim à Bilbao. Dans le domaine du design il fait parler de lui en créant des meubles en carton ondulé, par exemple les chaises « Little Beaver » et « Grandpa Chair » (Vitra Edition) et du mobilier en lamelles de bois tissées pour Knoll International. En 1989 il obtient le prix d’architecture Pritzker de la Hyatt Foundation. Frank O. Gehry remplit plusieurs missions d’enseignement. Il est également administrateur de l’académie américaine à Rome.

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Tom Dixon

Né en Tunisie, Tom Dixon s’est installé en Angleterre en 1963. Élevé à Londres, il a abandonné l’école d’art de Chelsea pour devenir le bassiste du groupe Funkapolitan avant d’apprendre la soudure en autodidacte.

Tom a été propulsé au devant de la scène dans la deuxième moitié des années 1980 en tant que « designer sans formation grâce à une ligne de meubles de récupération soudés ». À la fin des années 1980, il créait des chaises pour des marques italiennes très dynamiques telles que Cappellini ; au milieu des années 1990, il avait fondé sa propre société « Eurolounge » pour produire et vendre ses œuvres. Ses premières réalisations sont devenues des pièces de collection et fait le tour des salles de ventes à travers le monde.

Tom Dixon a été nommé responsable du design chez Habitat en 1998 et est ensuite devenu directeur artistique jusqu’à son départ en janvier 2008. Il était le visage public d’une équipe artistique responsable de développer la marque Habitat. Pour perpétuer le rêve de Conran qui souhaite enrichir la vie de tous les jours par un design simple et moderne et créer une expérience d’achat théâtrale et intime.

Les premières réalisations de Tom ont été acquises par des musées célèbres dans le monde entier, allant du Victoria & Albert Museum à des musées à New York, Boston, Paris et Tokyo. Tom a été décoré du titre d’Officier de l’Ordre de l’Empire britannique en 2001 et a récemment reçu le prix de Designer de l’année 2008 décerné par le magazine Architektur & Wohnen.

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Terence Conran

1931, Londres, GB.

Aujourd’hui designer de renommée internationale, Terence Conran commence sa carrière dans les années 50 en ouvrant sa première fabrique de meubles à Notting Hill. Dès 1956, il fonde le ‘Conran Design Group’ puis se lance dans la vente au détail 8 ans plus tard. Bientôt ouvre le premier magasin Habitat. En moins de 10 ans, la chaîne de magasins s’étend en Europe, et notamment en France : c’est en 1973 que Habitat Montparnasse ouvre ses portes. Dès lors, le succès de Conran n’est plus à prouver. Il écrit bientôt des livres (‘The House Book’,, ‘Conran Octopus’… ) qui regroupent des conseils d’aménagement, de décoration, expliquent sa philosophie et son style, il ouvre dans le monde entier des restaurants et des ‘Zinc bar & Grill’, jouant sur les volumes et le style. Conran se veut de proposer un design moderne et ‘intelligent’, une solution esthétique à nos besoins quotidiens.

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Joe Colombo

1930, Milan – 1971, Milan.

Malgré la brièveté de sa carrière, Joe Colombo est l’un des designers italiens les plus influents. Il s’inscrit à l’Académie des beaux-arts de Brera, puis étudie l’architecture à Milan. Il est d’abord peintre et sculpteur avant de se tourner vers le design. En 1962, il ouvre sa propre agence. Joe Colombo est connu pour son concept d' » aménagement intérieur « . En 1970, il réalise le Living Center pour Rosenthal, composé de lits roulants et d’un élément multifonctionnel, qui peut être à la fois une table, un meuble de rangement ou un bar. Passionné par la technologie et influencé par la science-fiction et le Pop Art, il conçoit également le système modulaire de bacs Uomo-Donna pour Arflex (1964) et une cuisine miniature avec le monobloc roulant Carellone Mini-Kitchen pour Boffi (1963-1964). Parmi ses créations, on compte aussi : le siège Elda (1963), le luminaire Spider (1965), l’ensemble Additonal System (1967), le lustre Onda, la chaise empilable 4867 (1968). Joe Colombo a travaillé entre autres pour Comfort, O Luce, Sormani, Zanotta, Bieffeplast et Kartell. En 1967, il a remporté la haute distinction qu’est le Compasso d’oro.

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Marcel Breuer

1902, Pécs, Ungarn – 1981, New York

Marcel Breuer est entré dans l’histoire du design grâce à ses sièges oscillants. L’innovation consistait à réduire les formes de base d’un lourd fauteuil capitonné à une ossature légère en tubes d’acier soudés. Après sa formation, il prit la direction de l’atelier de mobilier du Bauhaus, la légendaire école réformatrice de l’art allemand. C’est là qu’il a imaginé les fauteuils en tubes d’acier dont l’assise est en tissu ou en cuir, telle, notamment, la chaise « Wassily », créée à l’origine pour l’appartement de Wassily Kandinsky au Bauhaus de Dessau, ainsi que les modèles B5, B64, B35 et B33. En 1928, il ouvrit un bureau d’architecte à Berlin avec Walter Gropius, et plus tard il partit travailler à Londres avant de terminer sa carrière à New York. Outre Marcel Breuer, Mart Stam, Ludwig Mies van der Rohe et Le Corbusier comptent parmi les plus grands noms de créateurs de meubles intemporels en tube d’acier.

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Alvar Aalto

Architecte (1898-1976), la principale figure du design finlandais. Né en 1898 dans le village de Kuortane en Finlande, diplômé d’architecture en 1921, Hugo Alvar Henrik Aalto ouvre un cabinet d’architecte à Jyväskylä, lieu de son enfance, une ville accueillant aujourd’hui 37 de ses constructions. Il partit étudier à l’Université de technologie d’Helsinki.

En 1924, Alvar Aalto épouse Aino Marsio (décédée en 1949), architecte, qui participera étroitement à l’ensemble de ses travaux et recherches, entre autres sur le cintrage du bois.

Après avoir exercé comme architecte à Turku (1927-1933), il revint à Helsinki où il travaille jusqu’à sa mort, en 1976. L’œuvre d’Aalto couvre un large panorama, des immeubles au mobilier, verrerie, bijoux et autres formes artistiques. Tant pour la conception d’immeubles que pour des plans d’urbanisme, il eut toujours pour objectif l’harmonie artistique grâce à des méthodes synergiques unissant les êtres et leur environnement. De 1963 à 1968, Alvar Aalto est président de l’Académie finnois. Il meurt à Helsinki en 1976.

« Grande figure de l’architecture du XXe siècle, Alvar Aalto (1898-1976) fut aussi un designer prolifique et novateur. Durant les années trente, il expérimenta et développa de nombreux meubles en bois lamellé-collé cintré, tel le magnifique fauteuil Paimio, tout en courbes. En collaboration avec sa femme, Aino Marsio-Aalto (1894-1949), il développa également une gamme très variée d’objets en verre, des lampes et des textiles. Après la deuxième guerre mondiale, son design fut d’avantage destiné à des projets architecturaux et à des aménagements intérieurs. Il nous en reste quelques très beaux objets, caractérisés toujours par le respect et la mise en valeur des matériaux, par une fonctionnalité alliée au sens de l’essentiel et par la forme courbe, asymétrique qui leur confère cette touche organique, vivante, si particulière. » (extrait du site des Boréales, 2003)